Произведения искусства это: Произведение искусства – HiSoUR История культуры

Содержание

Произведение искусства – HiSoUR История культуры

Термины произведения искусства и художественной работы – это имена, которые даются произведению творчества в области искусства, творение, которому приписывается эстетическая или социальная функция. Учитывая классическую идентификацию понятия «искусство» с изобразительным искусством, понятие произведения искусства обычно ограничивается произведениями этих произведений: пластических искусств, называемых основными искусствами (живопись, скульптура и архитектура), литературные произведения и музыкальные произведения.

Термин шедевр в контексте искусства и эстетики, как правило, зарезервирован для тех произведений, будь то художественных или просто технических, по какой-либо причине считается особенно достойным восхищения. Происхождение термина «шедевр» восходит к гильдиям средневековья в Европе в отношении ремесленного произведения, сделанного любым аспирантом, который в гильдии хотел получить титул мастера. Со временем этот термин стал синонимом magnum opus, то есть работы, которая считается самой ценной среди всех тех, которые производятся ремесленником, художником или писателем. В нынешнем смысле этого слова «шедевр» все чаще используется в качестве хвалебного термина, независимо от того, ссылается ли он на лучшую работу автора (в этом смысле часто признается, что художник, например, художник, написал больше шедевра).

контекст
Конкретный художественный объект часто рассматривается в контексте художественного движения или имеет более широкий художественный характер, как жанр, эстетическую конвенцию, культуру или основанную на региональном и национальном различии. Его также можно рассматривать как часть «набора работ» художника.

Помимо «произведения искусства», которое может быть использовано для любой работы, рассматриваемой как искусство в самом широком смысле, включая произведения из литературы и музыки, эти термины применяются в основном к осязаемым, переносимым формам визуального искусства:

Пример изобразительного искусства, такого как живопись или скульптура
Объект, который был разработан специально для его эстетической привлекательности, например, ювелирного изделия
Объект, который был разработан для эстетической привлекательности, а также функционального назначения, как в дизайне интерьера и много народного искусства
Объект, созданный для принципиально или полностью функциональных, религиозных или других неэстетических причин, которые стали восприниматься как искусство (часто позже или посторонние культуры)
Нефемерная фотография, фильм или визуальная компьютерная программа, такая как видеоигра или компьютерная анимация
Работа монтажного искусства или концептуального искусства.
Используется в более широком смысле, этот термин реже применяется к:

Прекрасная работа архитектуры или ландшафтного дизайна
Производство живых выступлений, таких как театр, балет, опера, исполнительское искусство, музыкальный концерт и другие исполнительские искусства, а также другие эфемерные, неосязаемые творения.
В этой статье рассматриваются термины и понятия, используемые в визуальных искусствах и применяются к ним, хотя в других областях, таких как звуковая и письменная словесная литература, есть похожие проблемы и философии. Термин объект искусства предназначен для описания произведений искусства, которые не являются картинами, отпечатками, рисунками или крупными или средними скульптурами или архитектурой (например, предметы домашнего обихода, фигурки и т. Д., Некоторые чисто эстетические, некоторые также практические). Термин oeuvre используется для описания полного объема работ, выполненных художником на протяжении всей карьеры.

Определение
Произведение искусства в изобразительном искусстве представляет собой физический двух- или трехмерный объект, который профессионально определяется или иным образом считается выполненным в первую очередь независимой эстетической функцией. Особый художественный объект часто встречается в контексте более масштабного художественного движения или художественной эпохи, таких как: жанр, эстетическая конвенция, культура или регионально-национальное различие. Его также можно рассматривать как предмет в «работе» художника или творчестве. Этот термин обычно используется кураторами музеев и культурного наследия, заинтересованной общественностью, коллекцией коллекционеров художественных патронов и частных художников и художественными галереями.

Физические объекты, которые документируют нематериальное или концептуальное искусство, но не соответствуют художественным соглашениям, могут быть переопределены и реклассифицированы как объекты искусства. Некоторые концептуальные и готовые работы Dada и Neo-Dada получили позднее включение. Кроме того, некоторые другие примеры архитектурных рендерингов и моделей незастроенных проектов, таких как Витрувий, Леонардо да Винчи, Фрэнк Ллойд Райт и Фрэнк Гери.

Продукты экологического дизайна, в зависимости от намерения и исполнения, могут быть «произведениями искусства» и включать в себя: сухопутное искусство, художественное оформление, архитектуру, сады, ландшафтную архитектуру, монтажное искусство, наскальное искусство и мегалитические памятники.

Юридические определения «произведения искусства» используются в законодательстве об авторском праве; см. Изобразительное искусство § Авторское определение авторского права на визуальное искусство.

Теории
Марсель Дюшам критиковал идею о том, что произведение искусства должно быть уникальным продуктом труда художника, представляющим их техническое мастерство или художественный каприз. Теоретики утверждают, что объекты и люди не имеют постоянного значения, но их значения формируются людьми в контексте их культуры, поскольку они обладают способностью что-то означать или означать что-то.

Художник Майкл Крейг-Мартин, создатель дубового дерева, сказал о своей работе: «Это не символ. Я изменил физическое вещество стакана воды на дуб. Я не изменил его внешний вид. фактический дуб физически присутствует, но в виде стакана воды ».

Отличительные особенности
Некоторые теоретики и писатели уже давно проводят различие между физическими качествами предмета искусства и его статусом идентичности как произведения искусства. Например, картина Рембрандта имеет физическое существование как «масляная живопись на холсте», которая отделена от ее идентичности как шедевр «произведение искусства» или магнум-опус художника. Многим произведениям искусства вначале отрицают «качество музея» или художественные достоинства, а затем становятся принятыми и ценными в музейных и частных коллекциях. Примерами являются работы импрессионистов и нерепрезентативных абстрактных художников. Некоторые из них, такие как «Readymades» Марселя Дюшана, включая его печально известный писсуар, позже воспроизводятся в качестве реплик качества музея.

Существует неопределенное различие для текущих или исторических эстетических предметов: между предметами «изобразительного искусства», сделанными «художниками»; предметы народного творчества, ремесла или «прикладного искусства», созданные дизайнерами, ремесленниками и ремесленниками «первого, второго или третьего мира». Вот некоторые примеры современного и археологического местного искусства, предметов промышленного дизайна в ограниченном или массовом производстве и мест, созданных экологическими дизайнерами и культурными ландшафтами. Этот термин постоянно доступен для обсуждения, пересмотра и переопределения.

Шедевры и история
С требованием о «шедевре», в котором было продемонстрировано превосходство в области торговли, гильдии регулировали со времен средневековья доступ художников к состоянию учителя к различным искусствам, как и в других ремеслах. Ренессанс, разделяя искусство и ремесла, все еще поддерживая гильдийские учреждения, поощрял появление полных художников, которым удалось преуспеть в более чем одном из изобразительных искусств или во всех них, выполняя идеал гуманизма (Леонардо да Винчи , Мигель Анхель). В Испании некоторым художникам удалось выступить в трех основных искусствах.

Формы и жанры

В литературе:
литературное произведение
стих
Повествование: басня, рассказ, художественная сказка, повесть, роман, эпос, versepos
Эссе, афоризм

На сцене:
Исполняющий обязанности: Комедия, трагедия
Сингспиль: опера, оперетта, мюзикл
Балет, танцевальный театр, современный танец
Кабаре: кабаре (литературно-политический)

На радио:
радиопостановок
особенность
на экране и экране:
кинофильмы
короткий фильм
экспериментальная пленка
ТВ-фильм

В музыке: музыкальная работа
Опера, оперетта, оратория, кантата
Песня, мадригал, шансон, куплет
Соната, струнный квартет, симфония …

В изобразительном искусстве:
Пластмасса, скульптура, предметное искусство, коллаж, Décollage, окружающая среда, помощь
Картины, городское искусство, граффити, графика, гравюра, размытие
Фотография, фотомонтаж, плакат
Performance, Happening,

В публичном пространстве
Фонтаны, памятники, мемориалы, порталы (бронзовая дверь)
Действие Искусство, Происшествие, Fluxus
Землеустройство, монтаж, граффити, уличное искусство

Междисциплинарная:
Gesamtkunstwerk

Современное искусство
В современном искусстве область изобразительного искусства расширилась и снова включена в престижное прикладное искусство в рамках дизайна, а также включает в себя новые виды искусства: фотографии (с ее последовательными технологическими вариантами и новыми опорами, такими как аниме, мультфильмы, кинематография, телевидение , манга, видеоарт, видеоигры и т. д.), комиксы и сложнее классифицировать проявления, такие как / производительность, концептуальные искусства и так называемые художественные инсталляции.

Теоретические аспекты
Цель эстетики и теории искусства состоит в том, чтобы определить природу, цель и функцию искусства, и, таким образом, если целью произведения искусства является подражать природе (мимесис), ограничиться тем, что оно является объектом искусства. красота сама по себе (с абстракцией любой другой ссылки), быть средством выражения художника или общения с зрителем, придавать некоторый смысл или символизм (в которых сосредоточены семиотика и иконография). Свободный характер искусства (бескорыстное искусство или искусство для искусства) понимает произведения искусства, а не полезные или практические предметы, хотя многие из них имеют утилитарные функции (например, жилье или распространение политических или религиозных сообщений).

Что считать произведением искусства. | by Юлия Шапырина

Действительно, анализ таких работ сильно персонализирован, однако целью является не просто выяснение того, нравится ли вам произведение или нет, но еще и понимание причин.

По каким составляющим можно определить что перед нами произведение искусства?

Само произведение искусства обладает обликом. Облик-это объективно существующий внешний вид какого-то предмета или произведения искусства, который не зависит от нас. Т.е. облик-это физическое воплощение.

Облик зашифровывается художником в символы, язык (язык символов). Произведения искусства-они не просто какие-то символы. В них всегда зашифрованы на языке какие-то символы.

Внутри нашего естества формируется образ. Образ-это то что внутри нас. Мы все живем в мире образов (гештальтов). Например,когда мы смотрим на скульптуру, у нас вспыхивает образ того времени.

Композиция-это то, что максимально эффективно передает послание. Композиция рождается из акцентов.

Образ рождается из инсайтов. Это внезапное озарение, понимание того, что хотел донести автор, запуская при этом механизм некоего размышления.

Основные составляющие произведения искусства: идея — облик-символы — язык — композиция — акценты — техники — послание — пафос — расшифровка зрителем — образ.

Что считать произведением искусства?

Произведение искусства оно, на самом деле, не в геометрической точке пространства, оно не на стене, не от пола по высоте, не сзади и не сбоку. Оно в голове, оно в нашей душе и сердце.

Так как же отличить “красиво” от произведения искусства?

Произведение искусства становится произведением искусства только тогда, когда на него смотрит человек, понимающий это произведение. Если человек не понимает, то для него это просто красиво. Без понимания языка от автора к произведению, от произведения к зрителю и обратно (что хотел сказать автор), понимание произведения искусства просто невозможно.

Определение произведение искусства общее значение и понятие. Что это такое произведение искусства

Первое, что мы собираемся сделать, это определить этимологическое происхождение двух слов, которые придают форму этому термину, который мы сейчас собираемся проанализировать. Оба пришли с латыни:
• Работа, во-первых, происходит от слова «опера», которое можно перевести как «работа».
• Искусство, во-вторых, мы можем определить, что оно является результатом эволюции термина «ars», что является синонимом «произведения великого творчества».

Вещи, произведенные человеком, получают название работы . Термин используется для обозначения материального творчества (в качестве ремесленного или промышленного продукта) и интеллектуального производства (рассказ, песня и т. Д.).

Искусство — это чувствительное видение человеком реального или воображаемого мира. Художники выражают свое восприятие, эмоции и ощущения с помощью различных языковых, пластических и звуковых ресурсов.

Следовательно, произведение искусства — это продукт, передающий идею или деликатное выражение . Речь идет о творении, которое выражает намерение художника. Например: «В этом музее есть более тысячи произведений искусства, которые могут быть оценены публикой», «Парагвайский художник собрал почти миллион песо, выставив на аукцион три произведения искусства», «Новый фильм иранского режиссера — это произведение искусства, способное взволновать любого человека « .

Понятие художественного произведения часто отождествляется с пластическим искусством . В этом смысле картины и скульптуры часто называют произведениями искусства. Музыкальные, литературные и кинематографические произведения, во всяком случае, также являются произведениями искусства, поскольку они предполагают произведения, разработанные человеком с художественным замыслом.

Многие из них являются произведениями искусства разных отраслей, которые стали фундаментальной опорой истории и известны во всем мире. Однако среди наиболее значительных картин можно выделить следующие: «Тайная вечеря», выполненная Леонардо да Винчи; «Подсолнухи» Ван Гога, «Эль грито» Эдварда Мунка, «Ла Джоконда» Да Винчи, «Эль Герника» Пабло Пикассо или «Творчество Адана» Мигеля Анхеля.

Также, что касается скульптур, мы могли бы выделить значение «Давида» Микеланджело, «Мыслителя» Родена, «Discóbolo» Мирона или «Apolo y Dafne» Бернини.

Рассмотрение искусства как большого измерения и почти чуждого общности людей означает, что только произведения великих мастеров или признанных деятелей считаются художественными произведениями. Картина клерка, который посвящает себя искусству как времяпрепровождение или история, написанная бакалейщиком, на социальном уровне вряд ли считается произведением искусства.

В дополнение ко всему этому мы должны были бы показать, что есть также то, что известно как полное произведение искусства. Этот термин был создан и обобщен великим немецким композитором Рихардом Вагнером (1813 — 1883), известным благодаря созданию опер, таких как «Тристан и Изольда» или его тетралогии под названием «Кольцо нибелунга». Этот художник решил использовать вышеупомянутое выражение для обозначения любого произведения искусства, которое сумело объединить музыку и театр, а также изобразительное искусство.

Марат Гельман. Художественное качество: как отделить «хорошее» произведение искусства от «плохого»

 Этот мой текст, хоть и похож по форме на предыдущие, но предметом его является не что-то осязаемое и объективно существующее (галерея, музей, цена, рынок), а очень спорная категория — качество. Искусствоведы, практически все, скажут вам, что это чисто коммерческое понятие. Нет никакого «художественного качества». Невозможно выявить никаких признаков, отделяющих «хорошее» от «плохого». Оценка происходит только в момент встречи с искусством.

В принципе, они правы. Но вот несколько миллионов профессионалов (художники, критики, кураторы, коллекционеры) приезжают раз в два года на Венецианскую биеннале, и, о чудо, их оценка работ на 90% совпадает. Значит, есть — пусть не артикулированное, но общее — понимание у профессионалов. Другой вопрос, что наиболее яркие художники как раз могут не вписываться в это общее. И таких исключений может быть настолько много, что это позволяет эксперту говорить: «нет такого понятия «качество», которое можно было бы транслировать».

Но когда к галеристу приходит начинающий коллекционер с вопросами на тему «как мне все-таки понять, что хорошо, а что плохо», он не ожидает правил, которые на сто процентов описывают все искусство. Ему для начала нужны какие-то подпорки в этом увлекательном постижении искусства современников. Можно, конечно, сказать: «Нет ничего, нет никаких точных критериев, плати деньги и бери то, что я считаю хорошим, и не бери то, что я считаю плохим». Но скорее всего ты коллекционера потеряешь. Поэтому я своим говорю так: «Хочу сразу предупредить — то, что я скажу, верно в 80%, плюс-минус, случаях». То, что я скажу — любой профессионал раскритикует и будет прав. Но это понимание художественного качества мне помогало и продолжает помогать.

История искусства исследует предмет изнутри. С позиции художника, человека искусства. Понятие качества — это внешняя оценка. Это про глаза зрителя, заказчика, покупателя, мецената. Так получилось, что коллекционерам и зрителям про художника рассказывают, а художникам про качество — нет. Ну вот Евгений Карась проводит свои открытые разборы в «Соли» — это редкое исключение. Но он рассматривает работы с одной точки зрения — с точки зрения мастерства. Очевидно, что это только начало. «Мастеровитых» художников много, а художественная среда самая конкурентная. Пройдя первый фильтр, художник сталкивается с еще более пристрастной внешней оценкой.

Вообще это удивительная ситуация, что в конце XX —начале XXI века количество профессиональных художников можно оценивать в миллион (!). Инструмент оценки художников, а именно критериальный аппарат, полностью разрушен. Почему это произошло?

Эпоха модернизма была не просто быстрой сменой парадигм в искусстве — то есть сменой одной системы критериев на другую — но, что в данном случае важнее, новая система критериев всегда отталкивалась от предыдущей, настаивала на принципиальных отличиях, «низвергала» ее. Символом этого процесса стал жест Раушенберга, который буквально стер рисунок Де Кунинга, показывая, что новые художники пришли не продолжить дело предыдущего поколения, а уничтожить его. До модернизма отношения нового искусства и старого можно было описать в терминах «преемственности». Художники мыслили либо в терминах прогресса (мы развиваем достижения наших предшественников и стремимся их превзойти), либо в терминах Золотого века (наши предшественники достигли совершенства, и мы должны в новых условиях приблизиться к ним). Но и в том и в другом случае шло развитие внутри единой системы координат.

Модернистское искусство двигалось по пути отрицания преемственности. Но так как «новое» достаточно быстро — на глазах одного зрителя — становилось «старым» и сменялось «новейшим», то все уже знали, что и это «новейшее» скоро будет отвергнуто, и что любая система критериев больше не фундированное здание для истории искусства, том за томом, а всего лишь манифест, пожелание художника — как бы он хотел, чтобы зритель смотрел на его искусство.

Если же наблюдать этот процесс наддискурсивно, то можно сказать, что, начиная с «Салона отверженных», один из критериев, а именно «новизна», оттеснял остальные на второй план. В результате в тот момент, когда невозможность «нового» стала ясна всем, художественная среда оказалась без критериев.

Одни оценивают этот факт как катастрофу, «смерть художника», «конец искусства», другие — наоборот, как форму абсолютной свободы для проявления индивидуальности. Например, Andrei Roiter очень точно назвал свою выставку «Моя профессия — быть Андреем Ройтером». Нас же интересует безоценочный взгляд на то, что произошло с художественной средой, и как современный зритель смотрит на искусство, впервые с ним встречаясь.

1. Главное, с моей точки зрения, что вместе с невозможностью «нового» исчезла темпоральность. Точное соответствие определенного искусства определенному времени. Культура сегодня — это не длинный ряд томов на книжной полке (закрыл том первой половины XVIII века — открыл том следующий, второй половины XVIII века), а культурный ландшафт, в котором одновременно присутствует все. Понятие «актуального искусства» в определенном смысле наследует темпоральности вчерашнего дня, но не содержит в себе никаких критериев. Да, безусловно, есть «далеко» и «близко», первый план и третий, как на любом ландшафте. Но исчезает понятие вторичности, которое тридцать лет назад было «жупелом» для всего постсоветского искусства.

2. Художник стал не только автором произведения, но и строителем собственного концепта искусства. Не все его создают сами, но все сами выбирают. Haim Sokol это формулирует так: «Главным стало не что я делаю и не как, а зачем». «Что» — сюжет, нарратив, изображение. «Как» — язык, форма, медиа. «Зачем» — концепт, цель, манифест. В разное время изменения в искусстве означали то переформулирование «зачем» (манифесты), то отказ от артикулированных целей и задач (искусство для искусства), то поиск нового заказчика (церковь, буржуа, государство). Но, так или иначе, «зачем» было коллективным и внешним, а сегодня это часть внутренней работы художника, часто интуитивной. Сегодня именно «зачем» определяет тип коммуникации художника и общества.

3. Консенсус профессионалов по поводу искусства появившегося здесь и сейчас — единственный точный ориентир. Понять этот консенсус можно, только перемещаясь с одного форума на другой, из одного музея современного искусства в другой (чуть подробнее здесь). В отсутствии критериев искусство стало контекстуально. В него погружаются, а не изучают. Хотите понять искусство — идите на биеннале, а не в библиотеку.

4. Все когда-либо существующие критерии, перестав таковыми быть, не исчезли, а стали той самой культурной памятью — уйдя на второй план, они и определяют понятие «качества». И для того, чтобы дать сегодня подсказку начинающему коллекционеру, как оценивать искусство, надо рассказать про всех предыдущих заказчиков, про все системы критериев и внекритериальных оценок. Перечислим их скороговоркой, постепенно наблюдая, как понятие качества наполняется смыслом:

  • Символичность — наскальная живопись как знак и символ.
  • Богатство — украшение оружия и утвари в доме, отношение к материалу.
  • Многотрудность — они же трудозатраты. Сколько времени займет у человека средних способностей создание этого узора. Рабский труд — это человеко-часы. Египет, восточное искусство, платки вручную ткут годами. Талантливый — это быстрый.
  • Поиск идеала — греки и стремление к идеалу: идеальное тело, идеальный шар, геометрически выверенная композиция.
  • Оригинальность, аутентичность — римские копии скульптур дешевле их греческих оригиналов. Более того, они все равно остаются «греческими».
  • Сакральность, мистика, метафизика — церковь как основной заказчик живописи. Отвергает Караваджо с резолюцией «Нет искры божьей».
  • Похоже, как в жизни — собственно, изобразительное искусство. Оно изображает жизнь и стремится изображать точно. Ложная перспектива, лицо как живое, изображение трехмерного объекта в плоскости.
  • Узнаваемость автора — с VIII века начинают подписывать работы, но и узнаваемость работ, не глядя на подпись, — уже важное качество. Сюда же добавим принадлежность школе и узнаваемость этой школы.
  • Эстетика — это королева критериев: красиво, гармонично, ласкает глаз. Сегодня это уже наука — есть законы восприятия, их можно изучать еще в школе, но критерий остался.

Здесь сделаем отступление. Мы находимся во Франции периода французской революции. Открыв двери Лувра для посещения, французы создали первый публичный музей. Простонародье, увидев впервые убранство дворца, и думать не могло о практическом применении большинства предметов — на все это можно было только смотреть. В этот момент произошло деление на «дизайн» (функциональное украшение предметного мира) и «искусство для искусства».
Далее, создав Академию искусств, которая в том числе отбирала работы для Парижского салона, французская революция впервые поставила художников оценивать искусство других художников. Это привело к тому, что некоторые чисто внутрицеховые до этого критерии вышли на первый план.

  • Легкость — критерий прямо противоположный трудозатратам. Импровизированность, открытость техники (противоположность критерию «как в жизни»). Умение сохранить свежесть эскиза в завершенной работе. И даже особая незавершенность — когда зрителю предлагается сделать усилие, чтобы дорисовать в воображении образ, о котором говорил Андрей Ройтер — это тоже критерий, появившийся тогда. Все это некий итог, который подвергался нападкам со всех сторон, в качестве «старого искусства» со стороны «нового искусства», о чем я писал выше.

Понятно, что раз есть качества со знаком плюс, то должны быть и со знаком минус — так называемые «жупелы»: китч, салон, треш, глянец, литературщина. Впрочем, есть хорошие художники, которые сознательно вступают во все эти опасные зоны и делают мощные высказывания. Например, Иван Горшков из Воронежа.

Наверняка я что-то забыл, но сам ряд понятен. Назовем это «классическим набором» качеств и пойдем дальше.

Далее критериальные системы менялись быстро, опровергали друг друга радикально, но (для нашего текста это важно) они были полностью оторваны от пресловутого «заказчика», которому предлагалось следить исключительно за новизной и читать художественные манифесты.

Вот этот момент отрыва «художественной практики» от «культурного потребления» можно считать началом времени критики в искусстве (это весь ХХ век). В отличие от системы критериев, критика предлагает определенный взгляд на искусство — помещение его в контекст. Перечислим самые очевидные «критические дискурсы»:

  • Марксизм — и в целом, взгляд на искусство через социальность. «Этот художник — выходец из рабочих окраин, отсюда в его творчестве…»; или «группа художников отказалась от классических тем, навязываемых академией, и стала изображать жизнь без прикрас»; «Лев Толстой как зеркало русской революции».
  • Фрейдизм — когда произведение искусства — генератор интерпретаций, а критический текст похож на расшифровку снов психоаналитиком. Произведение, как отражение «уникального внутреннего мира» художника — плод его подсознания, которое надо объяснить.
  • Антропология — произведение искусства рассматривается в контексте различий и особенностей, подвергается систематизации в постоянном сравнении с другим искусством. Примерно как при встрече с новым живым существом вы сразу решаете — птица оно или зверь, если птица — то курица или, скорее, орел.
  • Структурализм — ну и постструктурализм. Предполагают, что язык искусства надо изучать как английский или французский, а потом постепенно научиться читать смысл. Хочешь понимать искусство? Иди в Сорбонну и просиди в библиотеке пару лет — тогда поговорим.

Так же как и классические критерии, критический дискурс тоже вносит свой вклад в понятие «художественное качество». Важное замечание: «художественное качество» имеет смысл тогда, когда есть «художественное высказывание». Критики термина «качество», когда говорят о его коммерческой природе, правы в том случае, если высказывания нет как такового. Тогда это да — чистая коммерция.

Все. Далее идет так называемое «актуальное искусство», по отношению к которому гораздо более продуктивно следить за поворотами консенсуса художественной среды, чем пытаться понять ее логику. Ходить смотреть музейные коллекции и модные выставки, посещать Венецианскую биеннале и «Документу». Не потому, что логики нет, а потому, что постичь ее — значит погрузиться настолько, что это уже будет означать «стать профессионалом». А профессионалу мои подсказки уже не нужны.

 

Иллюстрации: Проект художника Андрея Люблинского. Персональная стратегия Андрея – сокращение дистанции между художником и дизайнером. Скольких художников вы узнали на портретах?

Введение. Виды и жанры изобразительного искусства. | Искуству.ру

Искусство – это творчество вцелом.
Какие искусства вам известны?
Литература, музыка, танец, театр, кино.

Изобразительное искусство – пространственное, не растянуто во времени. Оно требует двух- или трехмерного пространства. Хотя в наше время благодаря техническим возможностям появился вид искусства, включающий временное пространство (видеоарт).

Изобразительное искусство отражает действительность с помощью зрительных образов:

— многообразие окружающего мира;

— мысли и чувства человека.

Это способ познания окружающего и себя самого.

Для этого художник использует обобщение и воображение.

Виды изобразительного искусства:

Архитектура

Живопись

Графика

Скульптура

Декоративно-прикладное искусство

Театрально-декорационное искусство

Дизайн

Архитектура

Архитектура – это искусство постройки зданий и сооружений для жизни и деятельности людей.

Слово «архитектура» произошло от греческого «Архус» – главный, высший;

«Тектонико» — строительство.

Требует трехмерного пространства.. Имеет еще и внутреннее пространство – интерьер.

Живопись

Живопись – это вид изобразительного искусства, произведения которого создаются с помощью красок (темпера, масляные краски, акрил, гуашь, …).

Графика

Графика – это вид изобразительного искусства, включающий рисунок и печатные изображения.
«Графо» — пишу, рисую, черчу.

Рисунки выполняются карандашом, тушью, сепией, сангиной…
Печатные изображения – гравюры, литография, ксилография, монотипия.

Графика делится на станковую, книжную и прикладную.

На грани живописи и графики стоят акварель, гуашь и пастель.

Первые произведения графики – наскальные росписи первобытного искусства.

В Древней Греции графическое искусство было на высочайшем уровне – вазопись.

Скульптура

Термин произошел от латинского «sculpere» — вырезать, высекать.
В отличие от живописи и графики, в скульптуре присутствует объем.
Скульптура – это объемное изображение.

Материалы: кость, камень, дерево, глина, металл, воск…

Скульптура – один из самых древних видов искусства.

Первые скульптурные произведения являлись идолами, оберегами, изображали древних богов.

Различаются круглая скульптура (осматриваемая с разных сторон) и рельеф (высокий, средний, низкий, контррельеф).

Скульптура делится на виды: станковую и монументальную (памятники, монументы) и монутентально-декоративную (архитектурное убранство).

Декоративно-прикладное искусство (ДПИ)

В каждом доме живут и служат нам различные предметы. И если их коснулась рука художника, ювелира или народного умельца, то они становятся произведением декоративно – прикладного искусства. Термин появился в 18 в. от французского слова «декор» — украшение везде.
Прикладное означает то, к чему приложено умение, искусство.

Дизайн

Начиная с первобытного периода можно проследить развитие этого вида искусства.

Театрально — декорационное искусство

Этот вид искусства включает в себя создание декорации, бутафории, костюмов, грима.

ЖАНРЫ

Термин «жанр» произошел от французского – вид, род.
Первые самостоятельные жанры появились в Нидерландах в 16 веке.

Исторический

Мифологический, религиозный

Батальный

Портрет

Пейзаж

Натюрморт

Бытовой

Марина

Анималистический

Интерьер

Исторический жанр

Исторический жанр – это произведения искусства, в которых отражены реальные исторические персонажи или события.

Мифологический жанр

Мифологический жанр – это произведения искусства, в которых отражены мифологические сюжеты.

Религиозный

Батальный жанр

Батальный жанр – это произведения искусства, в которых отражены военные эпизоды.
Художник, который пишет на батальные темы, называется баталистом.

Портрет

Портрет – это изображение человека в скульптуре, живописи и графике.
Портреты, написанные художниками, доносят до нас образы людей прошедших эпох.

Пейзаж

Пейзаж – картина, в которой природа стала её главным содержанием.
Термин «пейзаж» (paysage) пришел из французского языка, что в переводе означает «природа». Как самостоятельный жанр пейзаж возник в Голландии.
Пейзажная живопись разнообразна. Есть пейзажи, точно передающие те или иные уголки природы, в других тонко передано состояние. Еще есть фантастические пейзажи.

Натюрморт

Термин «натюрморт» произошел от французского слова, буквально означающего «мертвая природа».
Это картины, героями которых являются различные предметы обихода, фрукты, цветы или снедь (рыба, дичь и так далее).
Натюрморты рассказывают нам не только о вещах, но и об их владельцах, об их жизни, быте и привычках.

Бытовой жанр

Бытовой жанр – это картины, на которых отражены эпизоды из повседневной жизни людей.

Марина

Марина – это произведения искусства, на которых изображено море.

Художник, который пишет море, называется маринистом.

Анималистический жанр

Анималистический жанр – это произведения искусства, на которых изображены животные.

Интерьер

Изображение внутреннего убранства архитектурного сооружения.

Стиль искусства

Понятие «стиль» — это своеобразие, которое позволяет сразу определить, в какую историческую эпоху создано произведение.
Художественным (высоким) стилем называется направление, вовлекшее в себя все виды искусства.
Например, барокко – высокий стиль, а рококо – направление.
К великим или высоким стилям относятся классика античности, романский стиль и готика в Средние века, ренессансный стиль, обозначивший собой переходный период от Средних веков к Новому времени, барокко и классицизм в Новое время. Последним крупным стилем на рубеже XIX – XX вв. стал модерн, в котором была сделана попытка возрождения единства архитектуры, декоративного и изобразительного искусства.
Соединение нескольких видов искусства в одном произведении называют синтезом искусств.
Иначе говоря художественный стиль достигает наивысшего уровня, когда вовлекает в себя все виды искусства.
Сложившись в определенную историческую эпоху, высокие стили непрерывно преобразовывались и возрождались на следующем этапе в новом качестве. К примеру, классицизм XVII в. во Франции взял основу из античной классики, при этом он сильно отличается от неоклассицизма второй половины XVIII в. и, конечно же, от неоклассицизма как одного из направлений эклектики второй половины XIX – начала ХХ вв.

Художественный образ

Художественный образ – это форма отражения (воспроизведения) объективной действительности в искусстве.

Простые вещи. Искусство – художник – произведение. |Часть I — Aroundart.org

Фрагмент выставки группы»ЕлиКука» Bad / Good в галерее «Артберлога», Москва, 2011 // Фото: Ольга Данилкина

В первом материале Анна Быкова узнала у Вадима Межуева, Елены Петровской, Людмилы Бредихиной, Дмитрия Булатова и Александры Новоженовой, что они понимают под современным искусством, современным художником и современным произведением искусства.

Последние события жизни и открытия философии, кажется, переформатируют и визуальный язык искусства, и критический дискурс о нем. Поводом нашего опроса философов–кураторов–критиков о трансформации базовых понятий искусства– художника–произведения стала книга и выступления Валерия Подороги, предложившего понятие «кайрос» для описания эффекта «соответствия» произведения искусства текущему моменту (Подорога В.А. Kairos, критический момент. Актуальное произведение искусства на марше. М.: Издательство GRUNDRISSE, 2013. – 180 с.). Кажется, «кайрос» – этот визуальный и сиюминутный катарсис – может стать полезной категорией в понимании происходящего. Выпущенная в издательстве Дмитрия Гутова Grundrisse книга Подороги обсуждалась в книжной лавке «У Кентавра» и в Философском клубе на Винзаводе. Подорога же стал автором каталожного текста к выставке того же Дмитрия Гутова в галерее “Триумф”. «Начальный художественный жест утратил силу…, – пишет Подорога. – Может быть, современное искусство – это место, где больше ничего не происходит и не может происходить… Художник актуального теперь Нехудожник…» (Сс. 6, 8, 10).

И так мы сформулировали – очень грубо – простые, поверхностные и банальные вопросы действующим лицам процесса:

Что для Вас сегодня значат такие категории и фигуры:
современное искусство, современный художник, современное произведение искусства?

Осталось ли современное искусство на тех же позициях, с которых стартовало в начале ХХ века и после Второй мировой? Должен ли современный художник сегодня ставить перед собой задачи образного переосмысления реальности, реагирования на актуальные события, формальных поисков пластических решений. Сами понятия «образа» и «художественности» в искусстве остались рабочими категориями?

Вадим Межуев,
философ, культуролог

Уважаемая Аня! У меня в силу возраста большие пробелы в знании и восприятии того, что Вы называете «современным искусством». И что, собственно, называть современным? С какого времени следует начинать отсчет современности? Можно ли произведения искусства оценивать не по стилям, направлениям, школам, а просто по времени их появления на свет? Мне трудно сказать, какое направление или стиль считается в наше время господствующим. Похоже, такого нет, а коллаж из разных стилей принято называть постсовременностью (или постмодерном). Ясно, что в искусстве (как и во всей культуре) происходят какие-то глубинные изменения, связанные хотя бы с появлением масс-медиа и социальных сетей, не позволяющие говорить о нем в традиционных эстетических понятиях и категориях. Но ведь это тема для очень большого разговора.

… Если честно, я иногда думаю, что эра расцвета искусства и его особой миссии в обществе позади… Я не отрицаю современного искусства, но меня в нем мало что вдохновляет…

Юрий Альберт «Московские выборы», 2009, выставка «В настоящем», ЦСИ «Винзавод», Москва, 2010 // Фото: Ольга Данилкина

В плане жанров у меня тоже есть разнобой. Я не очень восприимчив к живописи (в силу хотя бы врожденного дальтонизма), хотя в молодые годы дружил с крупными художниками – например, с Ильей Кабаковым. Мне более близка литература, театр (которому я отдал в свое время семь лет жизни), кино, музыка (но более классическая), хотя люблю и авангардизм начала прошлого века. Так что, я, скорее, традиционалист в своем восприятии искусства. Большая литература для меня закончилась с Платоновым, Булгаковым, Пастернаком, (зарубежных авторов перечислять не буду), театр – с Эфросом, Товстоноговым, Любимовым, ранним «Современником». Последние наиболее сильные эстетические впечатления – только от исполнительского искусства. Назвать произведение, которое представляется мне за последние годы эпохальным событием в искусстве, затрудняюсь. И, если честно, я иногда думаю, что эра расцвета искусства и его особой миссии в обществе позади… Я не отрицаю современного искусства, но меня в нем мало что вдохновляет, хотя, возможно, и в силу недостаточной осведомленности в нем. С такой поправкой можете и публиковать.

Елена Петровская,
философ

Современное искусство – это экспериментирование прежде всего в сфере социальных отношений. Как катализатор новых социальных процессов оно незрелищно и даже неизобразительно. На ум приходит акционизм во всех его разнообразных проявлениях. Только в отличие от первых акций, обращенных на себя, сегодня художник исследует социальное тело, его границы, его, скажем так, материальный состав.

Современный художник – это тот, кто берет на себя ответственность за новое. Не просто провоцирует, но и отвечает за то, что вызывается им к жизни. В этом смысле акция – действие – становится синонимом ответственного поступка.

Современное произведение искусства – это чистой воды оксюморон. Но к подобной формуле все уже привыкли. Произведение искусства сегодня – не еще один мир, требующий созерцания, разгадки и/или проникновения в себя, а эквивалент на международном рынке товаров и услуг. Если хотите, новые деньги. Когда Дэмиен Хёрст говорит: «I really believe art is the most powerful currency in the world» («Я действительно думаю, что искусство является наиболее влиятельной валютой в мире»), его слова следует понимать вполне буквально. Именно Хёрст как никто другой способствовал капитализации современного искусства.

Современный художник – это тот, кто берет на себя ответственность за новое

Искусство сегодня несопоставимо с тем, что было после Второй мировой. А вот с авангардом его роднит, во-первых, бесформенность (у авангардистов это беспредметность, сегодня речь идет о действии) и, во-вторых, подрыв автономии искусства (тогда это выражалось в идеологии жизнестроительства, сегодня это тоже интерес к способам социального взаимодействия людей).

Образное переосмысление реальности, формальный поиск новых пластических решений – все это возможно, конечно, но относимо скорее к дизайну. Дизайн versus действие – так я определила бы напряжение, возникающее между дальнейшим комфортабельным освоением окружающего мира, с одной стороны, и попытками посмотреть в будущее – с другой.

Понятие образа может быть рабочим только в том случае, если мы освободим его от предиката «художественный». Если мы исходим из преобразующего потенциала современного искусства, из того, что оно становится все более незрелищным, тогда ни о какой «художественности» говорить не приходится. Вообще, «художественный образ» – это категория советского литературоведения и искусствознания, что неизбежно влечет за собой и систему представлений, связанных с классической эстетикой. Но нам не нужно больше проникать в глубину замысла, выявлять скрытые смыслы, оценивать формальные достоинства. Все лежит на поверхности. Нужно научиться иметь дело с явлениями поверхностными по самой своей природе. Неглубокими? Да. Только не надо бояться утраты целостности, смысла и, конечно, уникальности. На поверхности лежат такие базовые вещи, как совместность, совместность нашего существования. Но изобразить их невозможно. В них можно только ввязаться, действуя при этом как изобретатель или инженер.

Людмила Бредихина,
критик, куратор

Думаю, для специалистов (как историков, так  и практиков) понятия modern и contemporary art не потеряли терминологического значения. Но по причине непереводимости этой  игры слов – то и другое «современное искусство» –  по-русски мы чаще пользуемся терминами «модернизм» (или, скажем, «авангард первой/ второй волны») и собственно «современное искусство». Не берусь обозначить хронологические и категориальные рамки последнего (сложно!), но сюда следует отнести особое, «умышленное» отношение к искусству, когда вопрос о том, что такое вообще искусство и есть ли у него пределы, выглядит важнее, чем самое убедительное пластическое решение переосмысленной реальности.  Более того, пластическое решение может вовсе отсутствовать. Для идеального концептуалиста идеальное произведение искусства то, что легко и приятно рассказать по телефону. И в этой шутке не велика доля шутки.

«Современный художник» и «современное произведение искусства» не терминологические определения, а комплименты

В русском языке слово «современный» имеет нередуцируемый комплиментарный оттенок и в термины не слишком годится, тем более что  у широкой публики отношение к «современному искусству» далеко не всегда восторженное. Для кого-то оно – верх интеллектуальной игры или моды, а для кого-то несанкционированные сходы голых королей. Думаю, поэтому язык нам и ппредлагает уродливые варианты типа «совриск», а «актуальное искусство» часто сопровождается добавлением «так называемое»…   «Современный художник» и «современное произведение искусства» не терминологические определения, а комплименты. В отличие от «произведения современного искусства», частым синонимом которого является «проект». Современный художник/художница может ставить перед собой любые задачи и оперировать любыми эстетическими, риторическими категориями, которые кажутся ему/ей живыми и рабочими, то есть полезными для решения художественной, исследовательской, коммуникационной или какой-то иной задачи. На мой взгляд, не стоит забывать об одном условии – современное искусство, исследуя свои проблемные границы, обязано будет обнаружить  и собственное исчезновение. В этом проекте есть особый риск и кураж.

Фрагмент выставки Александры Сухаревой “Эураурага” в ЦТИ «Фабрика», Москва, 2012 // Фото: Ольга Данилкина

Дмитрий Булатов,
куратор Государственного центра современного искусства (Балтийский филиал)

Я думаю, что за прошедшее столетие искусство изменилось самым радикальным образом. Если раньше его было принято связывать с преследованием эстетических целей, то в XX веке это определение подверглось расширению по многим направлениям. Именно расширению, поскольку никакая последующая стадия развития искусства не отменяет предыдущую. Минувшее столетие развернуло перед художником целый диапазон новых средств выражения и предоставило возможности работы с различными контекстами. Цели художников вышли за пределы нормативной эстетики – возникли концептуальные практики, культурный комментарий, социально-политические интервенции. На фоне этих ранних художественных исследований искусство XXI века сделало еще больший рывок, обратившись к науке и новейшим технологиям. Высказывание художника обрело многократное техническое опосредование. Если прежде в качестве носителей художественного сообщения рассматривались холсты, книги и электрические сети, то сегодня – те формы «искусственности», которые проявляют себя в циркуляции веществ, распаде и создании молекул и генезисе кодов. В этих условиях на смену традиционному художнику-визионеру пришла фигура медиа-аналитика – автора, способного отрефлексировать сообщение несущей инфраструктуры произведения. Вне зависимости от того, является ли она манифестацией аналоговых, цифровых или гибридных технобиологических сред.

При этом само понятие «образа», как и задача образного переосмысления реальности, остаются неизменными и по-прежнему востребованными.

Анастасия Рябова «Где твое знамя, чувак?», 2011, выставка номинантов Премии Кандинского, Москва, 2011 // Фото: Ольга Данилкина

Я рассматриваю современное искусство как продукт системного развития традиционных видов искусств. С этой точки зрения его становление более всего напоминает фазовый переход, при котором все функции, описывающие параметры его существования, теряют либо непрерывность, либо дифференцируемость. Это означает, что новые художественные практики, с одной стороны, развивая культурные традиции, скажем, живописи, фотографии или кинематографа, прерывают их технологически, а с другой – способствуют образованию новых междисциплинарных связей и отношений. Таким образом проявляется глубокая связь между устранением внешних, миметических качеств произведения искусства и изысканием его внутренних и прежде неизвестных характеристик. Это нормально, если считать, что развитие искусства заключается не столько в накоплении и усовершенствовании визуальных образов, сколько в изменении порождающего их принципа. При этом само понятие «образа», как и задача образного переосмысления реальности, остаются неизменными и по-прежнему востребованными. Что же касается «художественности» – то, на мой взгляд, это понятие перестало быть специфической особенностью отдельного произведения. Сегодня оно является скорее характеристикой стратегий художника и заключается не столько в подтверждении существующих версий реальности (социально-политических или технологических), сколько в очерчивании границ их применимости.

Александра Новоженова,
критик

1. Современное искусство. Я этой категорией не пользуюсь, я всегда говорю и пишу просто «искусство». Я думаю, «современное искусство» – это журналистский штамп из 90-х, когда надо было все время объяснять и подчеркивать разницу между современным и не современным. Сейчас эту разницу подчеркивать резона никакого нет.

2. Современный художник. Лично для меня, как для критика, который работает на фрилансе в Москве 2010-х годов, художник — значит классово близкий.

«Современное искусство» – это журналистский штамп из 90-х

3. Современное произведение искусства. Там где было произведение, должна стать «художественная продукция». Осталось ли современное искусство на тех же позициях, с которых стартовало в начале ХХ века и после Второй мировой? Что вообще в мире осталось на тех же позициях? А чем искусство отличается от всего остального? Должен ли современный художник сегодня ставить перед собой задачи образного переосмысления реальности, реагирования на актуальные события, формальных поисков пластических решений? Художники выясняют, что они должны, в ходе своей практики в качестве производителей художественной продукции. Более-менее cтоя на позициях социологического детерминизма, я не могу ответить на вопрос о том, что художник должен. Я могу только подождать и посмотреть что он будет делать в сложившихся обстоятельствах. Сами понятия «образа» и «художественности» в искусстве остались рабочими категориями? Любые категории работают, особенно если взять их в кавычки.

Станислав Шурипа. Произведение искусства как эффект когнитивной оптики

Похвала системности

Оптическая революция наших дней меняет условия видимости и природу произведения искусства. Зрение цифровой цивилизации когнитивно, его референт – не Реальное, а массивы данных: мы в основном видим идеи. Цифровое умозрение меняет принципы организации культуры: образы больше не аналогичны вещам. Можно различить три типа семантических сред, открытость к которым определяла изменение природы произведения в истории. Когда-то истина произведения выстраивалась по линии, начинавшейся в небесах, художественные смыслы сертифицировались горним миром. Новое время перенесло основания искусства в область общественных отношений: так появились эстетика, дискурс ожидания художественной правды о «человеке», этом идоле жестокого Стального века. Третий этап, современное искусство, открыл произведение как часть новой реальности: сегодня работа рождается в арт-мире. Здесь лицензируют значимое и отклоняют нелегитимное. Арт-мир – это первоэлемент современного искусства, системная реинкарнация модернистского сна про гезамткунстверк. Все, что стремится к признанию в обход него, растворяется в пене масскульта, но арт-мир – отнюдь не элитистская башня из слоновой кости. Если модернизм, скрывая свою институциональную зависимость, ли­шал себя иммунитета к манипуляциям, прикрытым мистическими доктринами художественного вкуса, то работа современных арт-сцен, сколь бы необъяснимы ни были иные их проявления, основана на открытом признании ими собственной условности.

Нет иного гаранта истинности художественных языков, кроме полифонии арт-мира. Он всегда уже существует как фон любого высказывания, как мишень для критики, как перманентный кризис, хранящий сердцевину системы искусства: право на производство собственно художественных ценностей. Никакие атаки теории заговора на институциональную теорию не поколеблют истины, высказанной ненаивным Артуром Данто: «Арт-мир относится к реальному миру, как Град Божий относится к Граду Земному». Ритм жестких и гибких связей между явлениями арт-мира настолько сложен, что любое причинно-следственное объяснение происходящего вполне само может стать произведением искусства; на этом основано искусство критики институций, а порой и работа самих институций. Экосистема идей, взглядов и оценок эластична, способна обращать себе на пользу любое противостояние, и без арт-мира художники сразу же оказались бы в одиночестве посреди электронных джунглей. Современный арт-мир появился, когда первая волна концептуального искусства вызвала стандартизацию способов экспонирования: чтобы высказывания не таяли в деталях интерьеров, галереи устремились к идеалу белого куба. Обязательные вводные тексты, речи на открытиях – вся эта лепнина исчезла, но самосокрытие институций привело к их усилению: сегодня даже забытый на полу в галерее зонтик выглядит как искусство.

Игорь Ескения. «Ковер», домашняя пыль, 2006. Предоставлено FEDERICO LUGER GALLERY, Милан

Силы в пространстве под действием времени сгущаются в предметы, идеи и ценности: так возникает среда. Произведение сопрягает и транслирует смыслы, воспринимаемые в итоге как качество или тональность присутствия. Произведение как узел, связующий вещь и идею, – это основная форма существования в пространстве арт-мира. Искусство-как-идея расширило область существования произведений: идеи, будучи ментальными объектами, тоже производят эффект присутствия, когда «приходят на ум». Пространства без вещей не бывает: равнодушие к произведению выталкивает дискурс в метафизические дали философии искусства. Чем менее важны силовые поля произведений, тем более атмосфера в искусстве напоминает спорт или шоу-бизнес, чьи состояния можно целиком описать таблицами из цифр и имен. В искусстве главное не рекорд, а эффект, носитель которого – произведение. Эффект существует в трех регистрах, которые были бы похожи на стадии жизни произведения, если бы, не переплетаясь, следовали один за другим. Рождаясь в свою первую жизнь, произведение дышит очарованием и мифологией личности художника. Затем интимная связь с автором прерывается, работа становится знаком в сети актуального, за которой – прохлада иного мира, где лишь немногим небесным телам выпадает честь излучать вечные ценности.

Искусство всегда определяло себя через исторические пределы эволюции техники. Академизм воспроизводит неизменные правила-заклинания, чтобы явить души предков, то есть прекрасные композиции и цветовые схемы. Как и шаманизм, академизм ритуален, то есть основан на неразличении программы и медиума. Модернизм был жреческим служением, жертвою смысла во имя эпифании медиума: чем выше его пафос, тем сильней он фонит алтарной энергетикой. Семирадский – это родственник Ротко: оба взыскуют спасения в запредельном технике, в мерцании фантомов духовного. Современное искусство начинается там, где кончается дух. Сериализация – это крах сакрализации: ксероксы и портативное видео-аудио в конце 60-х оказались средствами экзорцизма, предметом искусства стал сам художник как форма жизни, исключающая синтез и валоризацию духовного. С тех пор каждое поколение в искусстве – это новая техническая проблема. В эпоху мультимедиа историцистские маркеры отсылают к традициям принципиально иначе: каждое «пост-» означает лишь фазу рассеивания идей, каждое «нео-» – это призыв к реуниверсализации. Принцип и правило больше не господствуют над трудом: это орудия, а идеологии стали сюжетами. Новое понимание материальности облегчает произведение: работа сегодня состоит в увязывании комплексов идей, а не в запечатлении идеи в материале. Материя – это информация, которая служит сырьем для работы концепта: медиа расширяют область ощутимого и, следовательно, материальность – это техническая условность.

 

Скромное обаяние темпорализации

Общая социальная техника – это все, что находится между общим интеллектом и голой жизнью, машинерия общественных отношений. Таков всегда-уже когнитивный материал, на котором работает искусство. Открытость производственным отношениям стала условием актуальности произведения: когнитивный труд более не является мастерством, освященным цеховой тайной. Управление и логистика смыслов стали столь же неотьемлемой частью профессиональных навыков, как работа с цифровой техникой. Даже когда гордый живописец утверждает, что говорить должны сами картины, он все же говорит об этом, и это утверждение – часть его работы. Труд художника стал гетерогенным, включающим множественность средств выражения и разнородных навыков на фоне инструментализации как созидательных, так и разрушительных импульсов. Котировки навыков меняются в зависимости от контекстов, и ценность произведения больше не зависит ни от затраченного времени, ни от веры в традицию: одна как будто случайная фраза Дюшана, Фабро или Кабакова действительно ценнее для искусства, чем километры профессионально исполненных холстов.

Если труд художника – это коллаж из повседневных практик, то в чем ценность искусства? В том ли только, что оно в течение ста лет шло по лезвию мыслей о собственной смерти? Если до-концептуальное произведение живет в созерцательном «времени картины мира», конфискованном из сети общественных отношений, то современное искусство относится к социальным техникам как к реди-мэйдам. Временные рит­мы в произведении сегодня обрабатываются подобно тому, как фильтровали пластические ценности картина или скульптура. Подобно системе дорожных знаков, произведение регулирует темпоральности прямо в общественном здесь-и-сейчас. Это сквозное скольжение порождает эффект искусства, особую ментальную ситуацию, фокусную точку ценности произведения. Эффекты бывают разные: явные и скрытые, короткие и длинные, сильные и слабые, но в любом случае эффект связывает работу и восприятие в эфемерном свечении «ситуации искусства» (Дональд Джадд), с ее специфическими интенсивностями ожидания, узнавания и запоминания. Внимание заряжается готовностью вырезать и переместить в ситуацию искусства любые практические смыслы. Затем – колебательная двойственность узнавания хорошей работы, почти одновременное восхищение и отторжение, вызываемое присущим только современному искусству сопряжением сырого и эфемерного. И наконец, фаза усвоения, каскад ассоциаций и контекстуализаций, идущих по более сложным и менее связанным с личной идентификацией ментальным путям, чем в популярных секторах культуры. В этих процессах и заключен уникальный характер современного искусства, неповторимый в других полях.

Форма – это связь произведения и высказывания, подобная связи текста и смысла. Быстрое восприятие, сводя произведение к высказыванию, отрывает произведение от производства, рассеивая эффект искусства на массовых форматах потребления. Требование быстрочитаемости заменяет эффект на театральный трюк и рекламный слоган. Дислексический взгляд забывает произведение заживо, замечая лишь нейтрально-популистские те­мы: «прозрачность», «сила», «пространство». В социальной пустоте товар неотличим от знака, и состояния региональных сцен прямо отражают реалии глобализации. Метрополии «первого мира» отдаются производству изысков и пилотных образцов; чемпионы в производстве ширпотреба наводняют рынки мириадами клонов Синди Шерман и Била Виола в национальных костюмах. Рожденным в экономической черной дыре остается праздновать распад произведения искусства как аллегорию социальной комы, вызванной отсутствием спроса на интеллектуальный труд. Арт-сцена, гордая быть спецэффектом страстей олигархов-на-час, рождает химеры: новое искусство все чаще делают «под бюджет», чтобы показывать на «площадках». Термины из словаря эстрадных продюсеров в новом искусстве Москвы стали метакатегориями, определяющими детали – идею и качество. На открытой бюджетным сквознякам площадке искусство без произведений выкидывает вялые коленца на потеху персонажам таблоидов, – таким ли запомнит сегодняшний день история?

Дюшан называл свои работы «задержками». Сопротивление, непобедимое, как само время, задержка – это всегда неуместное ядро человечности. Живая и неповторимая точка зрения, субъективность всегда маргинальна; производство этой субстанции – базовый цикл жизни систем. Они питаются субъективностями, вовлекая их в круговерть индивидуации/клас­си­фикации. Раньше свидетельствами о рождении индивидуальностей служили манифесты, их призывы сжечь и уничтожить были сигналами, что за пределами нанесенных на карту областей выросли новые точки зрения. Есть три основных оператора индивидуации. Во-первых, описание, например: «Художница, рисующая только монохромные картины», – индивидуальность описывается через ее действие, что позволяет работать с критериями радикальности вида «первый», «единственный». Во-вторых, имя собственное, например «Дэмиан Херст»; этот режим – самый быстрый, и за это его любят массмедиа. В-третьих, местоимения: «вот», «тогда», «эта». Деиктика – самый простой способ ориентации в искусстве как массовом развлечении. Первый режим индивидуации требует напряжения институционального ума и памяти, системной зоркости. Два других – отчуждающие, они лучше подходят для сред, пропитанных страхом конкретики, где все – метафоры, и ни практика ни теория не значат особенно много.

Дидьер Фиуза Фаустино. «Corpus Delicti», черная кожа татами, не- ржавеющая сталь, черная резина, 2005. Предоставлено GABRIELLE MAUBRY, Париж

Идея как форма, исследование как искусство

Идеал чистоты досовременного искусства поддерживало рассечение труда квадратом «художник–критик–дилер–зритель». Художники не вылезали из вавилонской шахты неизреченного; их антиподы – белые воротнички – возгоняли сырье до статуса сокровищ духа. Деятели рынка, как и художники, – люди дела, но, в силу соответствия маркетинга слов и вещей, они создавали имена вместе с критиками. Публика, в отличие от дилеров, не видела в искусстве товара, а с художниками ее связывала презумпция непосредственной встречи с прекрасным. Квартет распался, когда центром тяжести произведения стал «ментальный образ». Отказ от композиции, драмы контура/фона и прочих пластических категорий привел к валоризации внешнего: масштаба, присутствия, среды. Вещь затихла, чтобы через нее заговорили институции. Не случайно первое поколение художников, отказавшихся от метафоризации – Д. Джадд, Р. Смитсон, С. Левитт, Р. Моррис, – считало частью своей работы написание рецензий в арт-прессе. Они понимали производство как связь буквалистского объекта и ментального образа, и переход к когнитивному труду навсегда смешал роли художника, теоретика, зрителя и антрепренера.

Произведение как вещь может вызывать наслаждение или ужас: парадигмой антиинтеллектуализма является порнография, искусство тех, кто смирился с уделом телесно-сырьевого придатка. Освобождение когнитивного труда возможно лишь через отказ от участия в пип-шоу «таланта и вдохновения», через признание того, что культура, или циркуляция ментальных явлений, эмоций и знаков, – это работа необозримых сетей социальной техники, материальных, визуальных, символических машин мимесиса. Произведение создают процедуры отбора, узнавания и переноса паттернов и форматов, комбинирования, увязывания и рассечения контекстов, переключения ассоциаций – все, что появилось как «идея-машина» и сегодня эволюционировало в широкий спектр творческих методов, объединяемых понятием исследования. Докогнитивная эстетика «правды материала» была загримированной моралью: мастерство, или господство автора над материалом, защищало чрезвычайные полномочия вкуса, следствием которых было право на индивидуальный язык, которому нельзя научиться. Диктатура чувства держалась на лжи: любой язык – это социальный агрегат, чьи претензии на оригинальность нелепы. Каждое правило в любой момент можно понять непредвиденным, но допустимым способом, и каждое такое понимание расширяет территорию осмысленного. Смысл – это употребление; упрощенная цитата из Витгенштейна, подхваченная первыми концептуалистами, стала новой формулой ментального естественного отбора. Смысл как употребление стал пропастью, поглотившей всю картезианскую цивилизацию с ее верой в мышление как репрезентацию истин, – так началась эра коммуникаций и демократии опыта.

Низвергнутая с трансцендентных высот, власть стала вездесущей и с легкой руки борцов за свободу получила имя «системы». Революции 60-х, подобно Макбету, и проиграли и выиграли: сегодня системы контроля прошили глубины тел и умов. Но в мире систем у художников появился шанс стать «людьми идеи, а не просто думающими ремесленниками», как выражался первый маркетолог концептуализма, галерист Сет Сигелауб. Вне трансцендентного патронажа любой язык пропитан неопределенностью: грамматические правила не включают правил по их применеию, иначе любая система расплылась бы в логическую бесформенность. Инстанцию авторства определяет выбор способа употребления ментальных орудий. Если техника коммуникации основана на уместном и быстром следовании правилам, то искусство – это анализ чрезвычайных моментов вменения правил. Базовый код, отделяющий искусство от связанных эффективностью социальных техник, основан на исключении исключения неправильного: там, где кончается вера в единственно верные способы следования правилу, начинается эстетика когнитивных форм.

Проблематика следования правилу определяет всю эволюцию искусства: спектр отклонений от ренессансного идеала красоты сегодня известен как маньеризм и барокко. Систематические искажения и аномалии проросли в индивидуальные манеры, очертившие границу законов прекрасного, за которой полыхает «внутренний опыт». Концепт, внутренне присущая работе идея-машина, имплицитно возник еще в маньеристской рефлексии невоплотимости всегда себе равного стандарта красоты. Позднее борьба концептуального искусства против стиля и эстетики породила эстетику когнитивных форм. Стиль – это материальный след сознания, самонаблюдение за следованием правилу. Стиль – это метод, и, значит, искусство является особым видом познания, материал которого – визуализация идей. Если основное услилие авангардов ХХ века заключалось в «слиянии искусства и жизни» (Аллан Капроу), то сегодня искусство смешивается с не-жизнью, теорией и практикой управления данными. Плюрализм типов опыта позволяет исследовательскому труду воплощаться в любых формах от картины до квазинаучных экспериментов или моделирования социальных процессов: в искусстве каждый метод – это отчасти месседж, проблематизирующий собственную продуктивность и тем самым – методологию в целом.

Методы в современном искусстве мультимедийны и тем отличаются от приципов в модернистском искусстве. Обусловленные уникальностью позиции художника, методы обретают значение в контексте произведения, не претендуя на непосредственную универсальность. Эта техническая сложность чревата главной опасностью для искусства наших дней – локализмом. Не в силах пройти к универсальному более сложной, чем мычание, дорогой, художники подпадают под гипноз тематического, а темой номер один для глобальной культуры стала идентичность. Работы о ней затягивают мир пестрой пеленой однообразных приемов и жестов, свидетельствующих лишь о наличии создавших их форм жизни. Образцовым видом творчества для глобального карнавала идентичностей является граффити, этот серфинг на волнах здесь-бытия: произведения как знаки групповой принадлежности, виньетками декларирующие воображаемую неповторимость, целиком зависимые от доступности красок и площадей.

Быстрочитаемость обращает идею в спецэффект, в эффект эффекта, скрывающий регресс к техническим стандартам за фальшивой аурой «большой формы». Спецэффекты – это цветы забвения в полях, где заранее известный правильный результат обесценивает поиск: там побежденное искусство тяготеет к жанру сказки. Исход из заколодованного леса гегемонии может вести в стены университетов. Можно осмеивать европейскую практику защиты художниками диссертаций, скрывая зависть к искусству, которое в обществе принимают всерьез. Важно другое: при высокой интеллектуализации обществ художественные эксперименты часто идут в небольших сообществах, ориентированных не на коммерцию и популярность, а на академический (в смысле – научный) престиж. Маленькие инициативы более мобильны и гибки, чем капитаны арт-рынка, и потому способны работать над альтернативами модному. Такие институции происходят как от академического драйва групп вроде Art&Language, так и от первых интервенционистских стратегий, в которых произведением становилось само сообщество. Слияние интервенций с научностью открыло перед искусством сети новых реальностей. Художник может создавать ситуации с помощью расширяющих норму правил, не принимая на себя ответственность за действия участников, чтобы избегнуть роли общественного деятеля. Методы при этом могут включать дискуссию или диалог, анализ репрезентаций, идеологий и медиаявлений, case studies и сотрудничество с профессионалами вне искусства, антропологическое наблюдение. Так, форма возникает из социальных микроэнергий, высвобождаемых ситуацией, позволяющей людям действовать поверх рутинной канвы.

Филипп Рам. «Внутренность погоды», инсталляция, фото, Канадский центр архитектуры, 2008

Картография цифровой души

Художник цифровой эпохи – бродяга по глобальной империи знаков, семионавт. Если не существует ни горнего мира идей, ни врожденных индивидуальных языков, то внутренний мир – это фантом в сети общественных отношений. Естественное состояние общего интеллекта определяется не трансцендентной машиной законов, а практикой, присущей ментальным процессам, регулярностью, существующей до законов и правил. Регулярность, или принуждение к ритму, – это повторяемость или коммуницируемость сообщений, условие возможности любой жизни, и в том числе жизни ума. В глобальных дискурсивных сетях размылись условия для привычных позиций, утихли онтологические распри идеи и материи, формы и содержания, капитала и труда, существования и бытия. Новое искусство порой прячется от цифровых бурь в отцовскую шинель мономедийности. Надежда, что материал сам создаст имя, оправдывается нечасто: субстанция выглядела аналогом субъекта только с ушедших на дно жидкой современности высот метафизики. «Путать новые материалы с идеями – это болезнь, род экспрессионизма», замечал еще Сол Левитт. В цифровой реальности природой вещей является интеллект: ноу-хау неоавангарда, от Раушенберга до Бойса и Алигьерро Боетти, состояло не в овладении магией материалов, а в напряжении между материей и концептом, удерживаемом силой взгляда художника. Эта душевная сила – резонанс мириад ментальных гаджетов, навыков, привычек, машинок интерпретации и реагирования, поведенческих и дискурсивных логик. Добродетель цифровой души – осведомленность, способность управлять возможными следствиями работы, формирующая самосознание через интуицию близости недоступного. Поэтому современным художником и вправду может быть каждый, нужно только уметь переизобретать себя.

Через анализ самого процесса означивания производство становится произведением: слово «работа» в равной степени означает действие и предмет. Профессионал когнитивного труда – это виртуоз, то есть тот, чей труд является одновременно и продуктом. Исследование, описание, обсуждение, теоретизация – эти основанные на языковых играх процедуры стали сердцем произведения, подобно тому как постсовременный город определяют транспортные узлы, а не крепостные стены. Предел виртуозной техничности – это невозможность одновременно говорить и писать. Если до конца следовать правилу, имеющему структуру «двойного зажима», неизбежно будет разрушен мир, это правило создавший. Твори/подражай; когда языковые игры приблизились к этому порогу дома бытия, появился первый вид искусства в общественном времени – основанная на двойном зажиме конкуренции с божеством нарративная машина античной трагедии. Логика двойного зажима выражает несовместимость субъекта и системы, след примордиальной нежизнеспособности антропоидов, обреченных языку. Все, что известно под именем техники, – это разнесение клешней двойного захвата, темпорализация действий «схватить» и «отпустить». Даже так называемая эстетика с ее мерцанием пафоса в логосе – это раздел техники, ритмизация перцептивных схватываний.

Коммуникация относит невыразимое к прагматическому, как ноль к единице: бездна в разнице значений не мешает им сосуществовать на правах соседей по числовому ряду. Во всем мире молодые художники сегодня говорят о своих высказываниях как «серьезных и одновременно ироничных». Странная на первый взгляд формула – симптом неоконсервативной страсти к Реальному, кризиса доверия к недоверию. Реинкарнация призрака символизма, пожиравшего плоды прогресса, невзирая на свое презрение к разуму; но если символисты утешались зрелищем воскресшей архаики, постмодернистов гипнотизирует глобальный спектакль идентичностей. На окраинах мира серьезная ирония может выглядеть как патриотический китч или как квазилевый гламур, переваривший критическую позицию в спецэффект. В метрополиях этическое давление заключает цифровой декаданс в фигуры повседневного возвышенного. Серьезная ирония смещает акценты ответственности: высказывание вклю­чает допущение собственного перформативного ничтожества, чтобы вызвать как-бы-веру хотя бы через скрытую жалость. У каждой идеологии есть материальные основания: когда законы логики были впервые применены к архитектуре электрических цепей, появились диоды, пропускавшие ток не в двух (да/нет), а в трех – да/нет/пауза – режимах. Эти ворота в цифровую современность, подобно светофорам, превратили электрический поток в трафик, чтобы стать нейронами глобальной системы знания-власти. На заре электронной эпохи различие приемников и передатчиков выражало классовое разделение труда на вещающих и внимающих. Сегодня перманентная медиареволюция сбрасывает несмелые души в чистилище постмодернизма, где они вслед за щелчками тумблеров власти мечутся между своими «да» и «нет».

Ироническая серьезность – это последний вздох гениев места, исчезающих в цифровой пучине. Но высказывание не обязано произрастать целиком из локальных контекстов, всегда есть возможность исхода в глубину, становления блуждающим фильтром в глобальных потоках. Произведение способно к созданию собственной онтологии, намечая возможный мир, эфемерный и неповторимый, не связанный с местной идентичностью. Работа может включать отвлеченные формы: археологию дискурсов, антропологию настоящего, воображаемые историографии и так далее, по направлению к общим местам, этим универсалиям коллективного интеллекта. Собственная онтология произведения может размечать в повседневности, в ткани общественных отношений грамматическую сцену для никак не связанных с местными речевыми стандартами дискурсов. Все происходящее в таких ускользающих мирах измеряется их собственной логикой; качество, навыки, убедительность и правдоподобие обусловлены исключительно устанавливаемыми самой работой критериями. Легитимация уникальных онтологий обогащает искусство; трансцендентной власти приходится иметь дело с каждым произведением как автономной областью: конфедерация всегда имеет больший иммунитет от деспотии, чем унитарное государство.

Драматичны отношения локального и вселенского в реальности коммуникаций. Каждый региональный мир расцвечен гирляндами фантомной меланхолии, каждую форму пронзает предчувствие собственного конца. Глобальные сети дискурса и эволюция когнитивной оптики вводят искусство в эпоху великих ментально-географических открытий. Чем сложнее инфоландшафты, тем плотнее силовые поля, еще не нашедшие представления в реальности опыта: производственный потенциал новых медиа основан на ценности девиантного (Ханс Энценсбергер). Искусство сно­ва оказывается на переднем крае картографической революции: в каждом произведении открывается история цивилизационных монад со своим пространством-временем. Так логика сецессий и разрывов, расширяя модернистскую улицу с односторонним движением к прогрессу, интернализуется в произведениях как возможность бесконечной множественности форм, гарантируемой арт-миром.

Авангард 60-х изобрел произведение как открытую систему; сегодня открытой системой предстает художник. Способность к переизобретению себя, или креативность, – это основное свойство лингвистической природы человека как формы жизни. Автономия языка как от Реального, так и от Воображаемого делает его существование перманентно инновативным, способным к бесконечному количеству конфигураций. Независимость коммуникации от смысла открывает постоянную возможность нового: произведение относится к коммуникации как парадокс, ассамбляж, сталкивающий несводимые к смысловому единству порядки дискурса. Парадоксальное – это обратная сторона утраты дара речи перед лицом всевластия и тщеты систем управления смыслами. Эластичная дифференциация внутри произведений-миров являет парадокс – машину инновации, сериями неправильных дедукций или акцентов в семантических амбивалентостях раскалывающей оболочки частных случаев на уникальные обломки и тем заставляющей правила эволюционировать. Для современного искусства произведение – не зеркало мира, а карта. Жиль Делёз называл элементарную картографическую частицу диаграммой, понимая под этим пространственно-временную множественность, сжато обозначающую структуру большего явления. Карта или формула, диаграмма – это микрокосм; произведение как парадокс – это микрокосмом инновации, схема переключения дискурсов, генетический код чуда, неожиданное предложение изменить сразу весь мир.

10 величайших произведений искусства всех времен | Культура

Леонардо да Винчи — зародыш в утробе (ок. 1510-13)

Леонардо в двух словах описывает человеческое состояние — действительно, его изображение матки напоминает раскрытую оболочку из конского ореха. Внутри — начало всех нас обнажено. Пятьсот лет назад этот художник и ученый мог изобразить человеческую тайну с чудом не религиозным, а биологическим, он считал человечество фактом природы. Для меня это самое красивое произведение искусства в мире.
Королевское собрание, Виндзорский замок

Караваджо — Усекновение главы Иоанна Крестителя (1608)

Караваджо «Усекновение главы Иоанна Крестителя». Фотография: Алами

Караваджо показывает момент убийства в тюремном дворе. Палач обнажил нож, чтобы перерезать последние сухожилия и кожу на шее Иоанна Крестителя. Кто-то наблюдает за этим ужасающим моментом из зарешеченного окна. Кругом гробовая тьма. Смерть и человеческая жестокость обнажены в этом шедевре, поскольку его масштабы и тень устрашают и овладевают разумом.
Собор Святого Иоанна, Валлетта, Мальта

Рембрандт — Автопортрет с двумя кругами (ок. 1665-9)

Автопортрет Рембрандта с двумя кругами. Фотография: English Heritage / Kenwood House

Вы не смотрите на Рембрандта. Он смотрит на тебя. Авторитет гения и возраста смотрит из этого осеннего шедевра с устрашающей моральной проверкой. Рембрандт, кажется, заглядывает в душу смотрящего и видит каждую неудачу. Он подобен Богу. Он самый серьезный художник из всех, потому что он делает каждого, кто стоит перед ним, просителем в суде истины.
Kenwood House, Лондон

Наскальные рисунки Шове (около 30 000 лет назад)

Пятнистые лошади с наскальных рисунков каменного века, найденных в Шове. Фотография: PA

Кто нарисовал эти невероятно реалистичные портреты животных? В ледниковый период не существовало такой вещи, как письменность, поэтому ничего не известно об именах, если у них были имена, этих ранних людей. Пещерные художники могли быть женщинами; они могли быть детьми. Что известно, так это то, что Homo sapiens, наш вид людей, оставляет свой след в этих картинах, которые столь же красивы и умны, как и все, что было создано с тех пор.
Пещера Шове-Пон-д’Арк, Ардеш, Франция

Джексон Поллок — один: номер 31, 1950 (1950)

Посетители в МоМА в Нью-Йорке стоят перед пещерой Джексона Поллока: номер 31, 1950. Фотография: Алами

Искусство Джексона Поллока — это современная загадка. Как, проливая краску на лежащий на земле холст, он создал такую ​​красоту и внутреннюю структуру? Подобно соло Чарли Паркера или Джими Хендрикса, его импровизации произвольной формы зацикливаются и катаются, но при этом достигают глубокого единства. Поллок удерживал это вместе лишь на короткий период блеска.Эта картина — собор разума.
MoMA, Нью-Йорк

Веласкес — Лас Менинас (около 1656 г.)

Лас Менинас Веласкеса. Фотография: Коллекция Галереи / Corbis

Король и королева стоят там, где стоите, перед собранием придворных. Веласкес смотрит с портрета королевской четы, который он пишет. инфанта и ее свита из горничных (менин) и карликовых артистов собираются перед монархом. Вдалеке у двери священник или посланник.В ярком зеркале светится королевское отражение. Эта картина — многослойная модель странностей мира.
Прадо, Мадрид

Пикассо — Герника (1937)

Герника Пикассо в музее королевы Софии, Мадрид. Фотография: Алами

Когда Пикассо начал писать свой протест против бомбардировки Герники, древней столицы Басков, гитлеровскими военно-воздушными силами от имени Франко во время гражданской войны в Испании, он был на пике своих возможностей. Спустя тридцать лет после того, как он написал свою подрывную модернистскую гранату на картине Les Demoiselles d’Avignon, его кубистский интеллект теперь обогатился мифологией и поэзией, развязанной сюрреалистическим движением.Он также оглянулся на такие исторические картины, как «Огонь Рафаэля в Борго», где излагает величайшее человеческое высказывание 20-го века.
Рейна София, Мадрид

Микеланджело — Заключенные (ок. 1519-34)

Микеланджело, узники или рабы. Фотография: Джордж Татге / CORBIS

Заключенные или рабы Микеланджело были начаты для гробницы Папы Юлия II, но так и не были закончены. В целом — включая Умирающих и мятежных рабов в Лувре и статую Моисея на последней, уменьшенной версии гробницы, в конечном итоге возведенной в Риме, — это величайший незавершенный шедевр в мире.И все же Микеланджело не оставил дела незаконченными из-за лени. Это эстетический выбор. Трагическая сила этих заключенных, которые изо всех сил пытаются выбраться из сырого камня, является выражением человеческого состояния, равного Гамлету Шекспира.
Галерея Академии, Флоренция

Скульптуры Парфенона (447–442 гг. До н.э.)

Скульптуры Парфенона в Древней Греции in situ в Британском музее в Лондоне. Фотография: In Pictures / Corbis

Длинный мраморный фриз, колоссальные сломанные статуи лежащих богов и неистовые резные изображения кентавров, сражающихся с людьми, которые лорд Элгин удалил с Афинского Акрополя два столетия назад, сегодня наиболее известны как объекты споров — что печально, потому что мы должны восхищаться их гением.Большая часть лучших древнегреческих скульптур известна только по римским копиям. Это величайшее собрание настоящих вещей: то самое искусство, которое породило идею «классики». Взгляните на мычущую телку, которая вдохновила Китса на Оду о греческой урне, и на богинь, чьи одежды странным образом напоминают картины Леонардо да Винчи. В художественном отношении, если не считать склок, лучше этого не бывает.
Британский музей, Лондон

Сезанн — Мон-Сент-Виктуар (1902–1904)

Мон-Сент-Виктуар Поля Сезанна.Фотография: Коллекция Галереи / Corbis

Сломанное видение Сезанна — это сверкающее множество проблесков, колебаний и переосмыслений. Интенсивность его взгляда и суровость его ума, когда он пытается увидеть и каким-то образом уловить суть горы перед ним, — одна из самых трогательных и откровенных битв в истории искусства. Из него очень быстро родились кубизм и абстракция. Но даже если бы исследования Сезанна ни к чему не привели, они поместили бы его в число величайших художников.
Филадельфийский музей искусств

10 величайших произведений искусства всех времен — биография онлайн

Это личная подборка из десяти величайших произведений всех времен. Это отражает мои собственные предпочтения, но если вы хотите номинировать другое произведение искусства, оставьте комментарий ниже.

1. Пьета — Микеланджело

Пьета Микеланджело — Великолепное изображение Матери Марии, держащей своего распятого сына, Иисуса Христа. Красота, элегантность — сдержанные, но сильные эмоции.Это пронзительно, красиво и внушает трепет. Это одновременно символ жертвы божественности за человечество, а также воплощение материнской любви к своему любимому сыну.

2. Мона Лиза — Леонардо да Винчи

Загадочная улыбка Моны Лизы захватила воображение всего мира. Мона Лиза дает возможность увидеть бессмертие в безымянной даме. Леонардо да Винчи потратил на эту картину всю жизнь; он носил это с собой много лет — всегда работал и совершенствовал.Почему Мона Лиза захватила воображение человечества? — Потому что в картине есть что-то, что превосходит обычное человеческое сознание — красота и простота, но также и бессознательная улыбка Запредельного.

3. Давид — Микеланджело

Статуя Давида — великолепное изображение человеческого тела. Микеланджело превзошел великих мастеров-классиков прошлого с этой безупречной скульптурой. Дэвид показывает, что мужчина обладает красивой симметрией, сочетающей в себе красоту, грацию и силу.

4. Сикстинская капелла Микеланджело

Четырехлетняя эпопея Микеланджело. Непревзойденный по масштабу и величию, у посетителей перехватывает дыхание. Папа, заказавший Микеланджело, надеялся, что он выберет сцены из Нового Завета, но Микеланджело выбрал сцены из Ветхого Завета. Здесь Бог создает Адама — улавливая эту неуловимую связь между человеком и Богом.

5. Ночная терраса кафе — Винсент Ван Гог

Гений Винсента Ван Гога запечатлен в этом атмосферном изображении ночной жизни французских кафе.

6. Экстаз св. Терезы — Бернини

Экстаз св. Терезы Авильской — Бернини в капелле Корнаро, Италия. Святая Тереза ​​Авильская была испанским мистиком, намного опередившим свое время и часто погружавшимся в размышления о Боге.

7. Водяные лилии — Клод Моне

Клод Моне — один из великих художников-импрессионистов. Можно было бы выбрать довольно много его картин. Но его картины с водяными лилиями, возможно, являются зенитом его художественного импрессионизма.Великолепное прояснение света и природы. Проблеск неба на земле. Искусство, вдохновившее мир.

8. Вдохновение Святого Матфея — Караваджо

Караваджо получил заказ на поставку трех картин для капеллы Контарелли в церкви Сан-Луиджи-дей-Франсези. Это «Вдохновение Матфея» — одна из трех картин. Два других — мученичество святого Матфея и призвание святого Матфея.

9. Девушка с жемчужной сережкой — Ян Вермеер

Ян Вермеер был относительно неизвестен при своей жизни.Но этот увлекательный портрет (чем-то напоминающий Мону Лизу) — прекрасный образец стиля барокко. В этой картине трогательная невинность, чистота и простота. Говорят, что глаза — это зеркало души. Эти выпученные чистые глаза дают представление о чистоте и невинности девушки, находящейся на грани женственности.

10. Еврейская невеста — Рембрандт

Тождественность еврейской невесты неизвестна. Возможно, это было намеренно со стороны художника, создавшего шедевр человеческой любви, граничащий с божественным.В этих человеческих выражениях так много эмоций, деталей и заботы. В картине есть целый мир.

Описано Кристофером Уайтом как

«одно из величайших проявлений нежного слияния духовной и физической любви в истории живописи»

Величайшие произведения искусства

Связанные

Знаменитые художники — включая Леонардо да Винчи, Микеланджело, Клода Моне, Винсента Ван Гога и Пабло Пикассо.

10 величайших картин всех времен. Включая Пьету и статую Давида Микеланджело; Экстаз Святой Терезы Бернини, Подсолнухи Винсента Ван Гога.

Что такое искусство? | Безграничная история искусства

Что такое искусство?

Взаимодействие между элементами и принципами искусства помогает художникам организовать чувственно приятные произведения искусства, а также дает зрителям основу для анализа и обсуждения эстетических идей.

Задачи обучения

Оцените рамки, которые мы можем использовать для анализа и обсуждения произведений искусства

Основные выводы

Ключевые моменты
  • Взаимодействие между принципами и элементами искусства обеспечивает язык для обсуждения и анализа произведений искусства.
  • Принципы искусства включают: движение , единство, гармонию, разнообразие, баланс, контраст , пропорции и узор .
  • К элементам искусства относятся: текстура , форма , пространство , форма, цвет, значение и строка .
  • Как лучше определить термин «искусство» — предмет постоянных споров.
  • С тех пор, как концептуальное искусство и теория постмодерна приобрели известность, было доказано, что все можно назвать искусством.
Ключевые термины
  • Формализм : Изучение искусства путем анализа и сравнения формы и стиля — способа создания предметов и их чисто визуальных аспектов.

Что такое искусство?

Искусство — это очень разнообразная деятельность человека, связанная с созданием визуальных, слуховых или исполняемых артефактов — произведений искусства, — которые выражают творческие или технические навыки автора и призваны цениться за их красоту или эмоциональную силу.

Самыми старыми задокументированными видами искусства являются изобразительное искусство, которое включает изображения или объекты в таких областях, как живопись, скульптура, гравюра, фотография и другие визуальные средства массовой информации. Архитектура часто включается как одно из изобразительных искусств; однако, как и в декоративном искусстве, оно включает создание предметов, для которых важны практические аспекты использования, чего обычно нет в другом визуальном искусстве, таком как живопись.

Искусство можно охарактеризовать с точки зрения мимесиса (его представления реальности), выражения, передачи эмоций или других качеств. Хотя определение того, что составляет искусство, оспаривается и менялось с течением времени, общие описания сосредоточены на идее воображения или технических навыков, проистекающих из человеческой деятельности и творчества. Когда дело доходит до визуальной идентификации произведения искусства, не существует единого набора ценностей или эстетических черт. Картина в стиле барокко не обязательно будет иметь много общего с произведением современного искусства, но они оба считаются искусством.

Несмотря на кажущуюся неопределимой природу искусства, всегда существовали определенные формальные принципы его эстетического осмысления и анализа. Формализм — это концепция в теории искусства, в которой художественная ценность произведения искусства определяется исключительно его формой или способом создания. Формализм оценивает произведения на чисто визуальном уровне, рассматривая средние и композиционные элементы, в отличие от любых ссылок на реализм, контекст или содержание.

Искусство часто исследуется через взаимодействие принципов , и элементов , искусства.Принципы искусства включают движение, единство, гармонию, разнообразие, баланс, контраст, пропорции и узор . Элементы включают текстуру , форму, пространство, форму, цвет, значение и строку . Различные взаимодействия между элементами и принципами искусства помогают художникам организовать чувственно приятные произведения искусства, а также дают зрителям основу для анализа и обсуждения эстетических идей.

Ecce Homo , Караваджо, 1605 : это образец живописи в стиле барокко.

Bjӧrk, Mutual Core, 2011 : Это пример современного исполнения.

Что делает искусство?

Основная цель, присущая большинству художественных дисциплин, — это стремление обратиться к человеческим эмоциям и соединиться с ними.

Задачи обучения

Изучить коммуникативные, утилитарные, эстетические, терапевтические и интеллектуальные цели искусства

Основные выводы

Ключевые моменты
  • Декоративное искусство придает эстетическую и дизайнерскую ценность предметам, которые мы используем каждый день, таким как стакан или стул.
  • Арт-терапия — это относительно молодой вид терапии, который фокусируется на терапевтических преимуществах создания искусства с использованием различных методов и теорий.
  • С момента появления концептуального искусства и теории постмодерна было доказано, что все, что угодно, можно назвать искусством.
  • Можно сказать, что изобразительное искусство представляет собой исследование условий жизни человека и попытку более глубокого понимания жизни.
Ключевые термины
  • состояние человека : характеристики, ключевые события и ситуации, составляющие основу человеческого существования, такие как рождение, рост, эмоциональность, стремление, конфликт и смертность.
  • изобразительное искусство : Изобразительное искусство, созданное в основном из-за его эстетической ценности.
  • эстетика : Забота о художественном воздействии или внешнем виде.

Основная цель, общая для большинства форм искусства, — это стремление обратиться к человеческим эмоциям и соединиться с ними. Однако этот термин невероятно широк и разбит на многочисленные подкатегории, которые приводят к утилитарным, декоративным, терапевтическим, коммуникативным и интеллектуальным целям. В самом широком смысле искусство можно рассматривать как исследование условий жизни человека или продукт человеческого опыта.

Декоративное искусство придает эстетическую и дизайнерскую ценность повседневным предметам, таким как стакан или стул, превращая их из простого утилитарного объекта во что-то эстетически красивое. Существуют целые школы мысли, основанные на концепциях теории дизайна, предназначенных для физического мира.

Стул Баухаус от Марселя Бройера : Декоративное искусство добавляет эстетические и дизайнерские ценности повседневным предметам.

Искусство может действовать и терапевтически, идея, которая исследуется в арт-терапии.Хотя определения и практики различаются, арт-терапию обычно понимают как форму терапии, которая использует художественные медиа в качестве основного способа коммуникации. Это относительно молодая дисциплина, впервые введенная примерно в середине 20 века.

Исторически изобразительное искусство предназначалось для обращения к человеческому интеллекту, хотя в настоящее время нет истинных границ. Как правило, направления изобразительного искусства на протяжении веков реагировали друг на друга как интеллектуально, так и эстетически. С появлением концептуального искусства и теории постмодерна практически все можно назвать искусством.В общем, изобразительное искусство представляет собой исследование условий жизни человека и попытку более глубокого понимания жизни.

Что значит искусство?

Смысл искусства определяется намерениями художника, а также чувствами и идеями, которые оно порождает у зрителя.

Задачи обучения

Оцените смысл искусства

Основные выводы

Ключевые моменты
  • Значение искусства часто разделяют члены данного общества и зависят от культурного контекста.
  • Философ Ричард Воллхейм описал природу искусства как «одну из самых неуловимых традиционных проблем человеческой культуры».
  • Некоторые цели искусства могут заключаться в выражении или передаче эмоций и идей, в изучении и оценке формальных элементов как таковых или в качестве репрезентации.
  • Искусство, в самом простом смысле, — это форма коммуникации и означает все, что задумал художник.
Ключевые термины
  • мимесис : представление аспектов реального мира, особенно человеческих действий, в литературе и искусстве.

Значение искусства часто имеет культурную специфику, разделяется среди членов данного общества и зависит от культурного контекста. Целью произведений искусства может быть передача политических, духовных или философских идей, создание чувства прекрасного (см. Эстетика), исследование природы восприятия, получение удовольствия или вызов сильных эмоций. Его цель также может казаться несуществующей.

Философ Ричард Воллхейм описал природу искусства как «одну из самых неуловимых традиционных проблем человеческой культуры.Он был определен как средство выражения или передачи эмоций и идей, средство исследования и оценки формальных элементов ради самих себя, а также как мимесис или репрезентация. Совсем недавно мыслители, находящиеся под влиянием Мартина Хайдеггера, интерпретировали искусство как средство, с помощью которого сообщество разрабатывает для себя среду для самовыражения и интерпретации.

Хелен Франкенталер, 1956 год : Фотография американской художницы Хелен Франкенталер в ее мастерской в ​​1956 году.

Искусство в самом широком смысле — это форма общения. Это означает то, что художник намеревается означать, и это значение формируется материалами, методами и формами, которые он использует, а также идеями и чувствами, которые он вызывает у зрителей. Искусство — это акт выражения чувств, мыслей и наблюдений.

Что делает искусство красивым?

«Красота» с точки зрения искусства — это взаимодействие между линиями, цветом, текстурой, звуком, формой, движением и размером, приятное для органов чувств.

Задачи обучения

Дайте определение «эстетике» и «красоте» в их отношении к искусству

Основные выводы

Ключевые моменты
  • Красоту в искусстве трудно описать словами из-за кажущегося отсутствия точного языка.
  • Эстетическое суждение не может быть эмпирическим суждением, вместо этого оно должно обрабатываться на более интуитивном уровне.
  • Эстетика — это отрасль философии, которая имеет дело с природой и оценкой искусства, красоты и вкуса.Эстетика занимает центральное место в любом исследовании искусства.
  • Для Иммануила Канта эстетическое переживание красоты — это суждение о субъективной, но общепринятой человеческой истине.
  • Для Артура Шопенгауэра эстетическое созерцание красоты — самое свободное, самое чистое и правдивое, каким может быть интеллект, и поэтому оно прекрасно.
  • Искусство часто предназначено для обращения к человеческим эмоциям и установления связи с ними.
Ключевые термины
  • эстетика : Раздел философии, посвященный природе искусства, вкусу, а также созданию и признанию красоты.
  • интуитивный : Спонтанный, не требующий сознательного мышления; легко понять или уловить инстинктом.

То, что делает искусство красивым, — сложная концепция, поскольку красота субъективна и может меняться в зависимости от контекста. Тем не менее, существует основной человеческий инстинкт или внутренняя оценка гармонии, баланса и ритма, которые можно определить как красоту. С точки зрения искусства, красота обычно означает взаимодействие между линиями, цветом, текстурой, звуком, формой, движением и размером, приятное для чувств.

Эстетическое искусство

Эстетика — это отрасль философии, которая имеет дело с природой и оценкой искусства, красоты и вкуса. Эстетика занимает центральное место в любом исследовании искусства. Слово «эстетический» происходит от греческого «aisthetikos», что означает «эстетичный, чувствительный или разумный». На практике эстетическое суждение относится к сенсорному созерцанию или оценке объекта (не обязательно произведения искусства), в то время как художественное суждение относится к признанию, оценке или критике произведения искусства.

Многие философы пытались разобраться в понятиях красоты и искусства. Для Иммануила Канта эстетическое переживание красоты — это суждение о субъективной, но общепринятой человеческой истине. Он утверждал, что все люди должны согласиться с тем, что роза прекрасна, если это действительно так. Есть много общих представлений о красоте; например, картины Микеланджело в Сикстинской капелле широко признаны прекрасными произведениями искусства. Однако Кант считает, что красота не может быть сведена к какому-либо базовому набору характеристик или свойств.

Для Артура Шопенгауэра эстетическое созерцание красоты — самое свободное и самое чистое, каким только может быть интеллект. Он считает, что только с точки зрения эстетики мы созерцаем совершенство формы без каких-либо мирских планов.

Микеланджело, Сотворение Адама, Сикстинская капелла, 1508-1512 гг. :

Красота в искусстве трудно описать словами из-за кажущегося отсутствия точного языка. Эстетическое суждение не может быть эмпирическим суждением, оно должно обрабатываться на более интуитивном уровне.

Искусство и человеческие эмоции

Иногда красота не является конечной целью художника. Искусство часто предназначено для обращения к человеческим эмоциям и установления связи с ними. Художники могут выражать что-то так, чтобы их аудитория каким-то образом стимулировалась — вызывая чувства, религиозную веру, любопытство, интерес, отождествление с группой, воспоминания, мысли или творчество. Например, перформанс часто не направлен на то, чтобы доставить удовольствие аудитории, а вместо этого вызывает чувства, реакцию, разговоры или вопросы у зрителя.В этих случаях эстетика может быть неуместной мерой «красивого» искусства.

Кто такой художник?

Художник — это человек, который вовлечен в широкий спектр деятельности, связанной с созданием искусства.

Задачи обучения

Обобщите эволюцию термина «художник» и его предшественников.

Основные выводы

Ключевые моменты
  • В Древней Греции и Риме не было слова «художник», но было девять муз, которые курировали другую область человеческого творчества, связанную с музыкой и поэзией, без муз для изобразительного искусства.
  • В средние века слово «художник» относилось к чему-то, напоминающему «ремесленник».
  • Первое разделение на основные и второстепенные искусства восходит к 1400-м годам работы Леона Баттисты Альберти.
  • Европейские академии XVI века официально укрепили разрыв между изящным и прикладным искусством, который существует в той или иной степени по сей день.
  • В настоящее время художником можно назвать любого, кто называет себя художником.
Ключевые термины
  • муз : Богини, вдохновляющие литературу, науку и искусство в греческой мифологии.
  • Поп-арт : направление в искусстве, возникшее в 1950-х годах, бросившее вызов традициям изобразительного искусства, включив в него образы из популярной культуры, такие как реклама и новости.
  • изобразительное искусство : чисто эстетическое искусство, такое как музыка, живопись и поэзия, в отличие от промышленного или функционального искусства, такого как инженерное дело или плотницкое дело.

Художник — это человек, который вовлечен в широкий спектр деятельности, связанной с созданием искусства.Слово трансформировалось с течением времени и в контексте, но современное понимание этого термина означает, что, в конечном счете, художник — это любой, кто называет себя художником.

В Древней Греции и Риме не было слова «художник». Греческое слово «techne» наиболее близко к слову «искусство» и означает «владение любым искусством или ремеслом». От латинского «tecnicus» произошли английские слова «техника», «технология» и «технический». Этими словами мы можем обозначить древний стандарт приравнивания искусства к ручному труду или ремеслу.

Каждая из девяти муз древней Греции курировала разные области человеческого творчества. Считалось, что создание стихов и музыки было вдохновлено Богом, и поэтому пользовалось большим уважением. Однако музы, отождествляемой с живописью и скульптурой, не было; Древнегреческая культура относилась к этим видам искусства в низком социальном отношении, считая работу такого рода больше похожей на ручной труд.

В средние века слово «художник» относилось к чему-то, напоминающему «ремесленник» или изучающий искусство.Первое разделение на «основное» и «второстепенное» искусство восходит к 1400-м годам работы Леона Баттисты Альберти, в котором основное внимание уделялось интеллектуальным навыкам художника, а не ручным навыкам мастера. Европейские академии XVI века формально укрепили разрыв между изящным и прикладным искусством, который существует в той или иной степени по сей день. Вообще говоря, прикладное искусство применяет дизайн и эстетику к предметам повседневного использования, в то время как изобразительное искусство служит интеллектуальным стимулом.

В настоящее время термин «художник» обычно относится к любому, кто занимается деятельностью, которая считается видом искусства. Однако на вопросы о том, что такое искусство и кто художник, ответить нелегко. Идея дать определение искусству сегодня намного труднее, чем когда-либо. После выставки во время движения поп-арта Энди Уорхола Brillo Box и Campbell’s Soup Cans возникли вопросы «что такое искусство?» и «кто художник?» вошел в более концептуальную сферу.На самом деле все может быть искусством, и этот термин постоянно развивается.

Энди Уорхол , Campbell’s Soup Cans , 1962 : Энди Уорхол Campbell’s Soup Cans стал представителем движения поп-арта.

25 произведений искусства, определяющих современную эпоху

Гордон Матта-Кларк (р. Нью-Йорк, 1943; ум. 1978) получил образование архитектора в Корнельском университете. К 1970-м годам он работал художником, вырезая куски из пустующих участков, документируя пустоты и демонстрируя ампутированные фрагменты архитектуры.В то время было легко найти заброшенные здания — Нью-Йорк был экономически депрессивным и охваченным преступностью. Мэтта-Кларк искал новое место, когда арт-дилер Холли Соломон предложила ему принадлежащий ей дом в пригороде Нью-Джерси, который планировалось снести. «Раскол» (1974) — одна из первых монументальных работ Матта-Кларка. С помощью мастера Манфреда Хехта, среди других помощников, Матта-Кларк разрезал все это пополам бензопилой, затем приподнял одну сторону конструкции, в то время как они сняли фаску с шлакоблоков под ней, прежде чем медленно опустить ее обратно.Дом идеально раскололся, оставив узкую центральную щель, через которую солнечный свет мог проникать в комнаты. Через три месяца здание снесли, чтобы освободить место для новых квартир. «Работать с Гордоном всегда было захватывающе, — сказал однажды Хехт. «Всегда был хороший шанс быть убитым».

TLF: Почему нет ленд-арта?

RT: У меня есть Гордон Матта-Кларк.

MR: Это ленд-арт? «Спиральный причал» [гигантский клубок из грязи, соли и базальта, построенный в 1970 году в Розел-Пойнт, штат Юта, американским скульптором Робертом Смитсоном] — это ленд-арт.

TT: Это безумие! Причал на 100 процентов должен быть в моем списке.

KT: «Поле молний» [работа американского скульптора Уолтера Де Марии 1977 года, состоящая из 400 столбов из нержавеющей стали, установленных в пустыне Нью-Мексико], «Кратер Родена» [все еще живое изображение американского художника Джеймса Террелла Обсерватория прогресса невооруженным глазом в Северной Аризоне].

TT: Я подумал: «Кто это может увидеть? Что означает «влияние», что значит быть под влиянием, увидев что-то на экране? » Я подумал: «Составляю ли я список того, что я видел, по сравнению с тем, чем я был одержим?» На тот момент это все репродукция или своего рода театральное представление.

MR: Полностью.

Коллажная фотография «Расщепление» Гордона Матта-Кларка (1974). Кредит … Предоставлено имением Гордона Матта-Кларка и Дэвида Цвирнера

TT: Я разместил выставку Майкла Ашера в музее Санта-Моники [No. 19, см. Ниже], но с чем-то вроде этого — когда его нет, это репродукция только . Вы не можете его посетить, он никуда не переезжает.

TLF: Это те вопросы, которые задавали художники по лэнд-арту, — разве это уже не вопросы, которые мы задаем сегодня?

TT: Земли больше нет.

MR: Это действительно интересный вопрос. В основном это связано с тем, что из-за переезда в города мы стали одержимы городами. Пасторальный вопрос, который также относится к городам, хотя мы этого и не осознаем, отступил. Но ошибаюсь ли я, что ленд-арт тоже был в Европе? Были голландские художники и английские художники.

RT: Да, были. Все еще есть.

MR: Лэнд-арт был интернациональным в интересном смысле, что совпало с Голубым мрамором [снимок Земли, сделанный в 1972 году экипажем Аполлона-17].

TLF: Каталог всей Земли.

MR: Конечно. Идея всей земли как единого целого, состоящего из реальных вещей, а не социального пространства.

RT: Может быть, это тоже имеет отношение к идее собственности и богатства. Изменилась стоимость земли и то, для чего она используется. Раньше можно было просто поехать в Монтану и, вероятно, —

MR: Закопать несколько Кадиллаков.

RT: — выкопать большую яму.Я имею в виду, что Майкл Хайзер все еще занимается чем-то, но теперь это только интерьер. Он просто делает большие камни в пространстве. Опять же, вот почему Смитсон интересен, потому что сейчас он почти как не-сайт [Смитсон использовал термин «не-сайт» для описания работ, которые были представлены вне их первоначального контекста, например, камни из карьера Нью-Джерси, выставленные в галерея рядом с фотографиями или картами сайта, откуда они пришли].

TLF: Тогда почему вы включили Гордона Матта-Кларка?

RT: Есть много ссылок на меня, но я чувствую, что «Разделение» затрагивает все остальные вещи, о которых я думаю.С «Разделением» это похоже на комический финал. Кроме того, идея разделенного дома и того, что происходит с домашним хозяйством — люди больше не могут сидеть вместе на День Благодарения.

8. Дженни Хольцер, «Трюизмы», 1977-79

10 лучших произведений искусства, упоминаемых в песнях | Высокий блог

Автор: Бретт Гудвин, 5 лет назад, ТОП 10

Произведения визуального искусства обычно вдохновлены рассказами и музыкой. Художник-визуалист может вдохновиться другим произведением искусства и создать образ.Нелегко повернуть вспять процесс; но на протяжении многих лет было много примеров, когда авторы песен и композиторы черпали вдохновение из картин и скульптур. Можете ли вы вспомнить какие-нибудь песни, в которых упоминаются произведения искусства? Держите глаза открытыми и слушайте эти десять лучших произведений искусства, упомянутых в песнях.

L’Embarquement pour Cynthere (1717) Жан-Антуан Ватто (1684-1721)

Греческий остров Кифера известен как мифическое место рождения Венеры, богини любви.На картине французского художника в стиле рококо Антуана Ватто изображены представители французской аристократии, посещающие остров и наслаждающиеся любовным праздником, символизируемые купидонами, кружащимися вокруг пар влюбленных. Во время Французской революции студенты ненавидели эту беззаботную картину цвета конфет и якобы использовали ее в качестве мишени для дартса. Тем не менее картина вдохновила композитора Клода Дебюсси (1862–1918) написать « L’isle Joyeuse» («Остров радости») (1904), сольную фортепианную пьесу, изображающую экстаз влюбленных.

Прогресс граблей (1735) Уильям Хогарт (1697-1764)

Прогресс граблей — это серия из восьми гравюр, изображающих социальный подъем и упадок Тома Рэйквелла, сына богатого английского купца. После того, как Рэйкуэлл растратил все свои деньги, чтобы утолить свой ненасытный аппетит к развлечениям и удовольствиям, он попадает в печально известную больницу Бедлам. Мораль опасного праздного поведения Тома Рэйкуэлла вдохновила русского композитора Игоря Стравинского на написание оперы в трех действиях, The Rake’s Progress (1951), после того, как он поселился в Соединенных Штатах в 1945 году.

Плот Медузы (1818-1819) Теодора Жерико (1791-1824)

Посетители крыла Denon в Лувре могут увидеть эту эпическую картину, на которой изображен ужасный инцидент с потерпевшим кораблекрушение французским фрегатом у берегов Сенегала в 1860 году. 150 солдат на борту защищали свое выживание, прибегая к каннибализму и жестокости. Жерико показал тщетную надежду выживших на спасательную лодку на горизонте. Картина была интерпретирована как комментарий Жерико о том, что французская монархия коррумпирована и не может заботиться о своем народе.Много лет спустя немецкий композитор Ганс Вернер Хенце (1926-2012) написал ораторию для оркестра и хора под названием Плот Медузы . Хенце сказал, что его произведение было реквиемом по революционному марксисту Че Геваре. После того, как первые запланированные премьерные выступления были прерваны протестующими анархистами, пьеса была наконец исполнена в 1971 году.

Благословенный Дамозель (1875-1878) Данте Габриэль Розетти (1828-1882)

Вдохновленный поэмой « Ворон », английский поэт и художник Данте Габриэль Розетти написал свое самое известное стихотворение « Благословенный Дамозель » в 1850 году.Позже Розетти переиздал стихотворение и написал картины с тем же названием. Девица — молодая женщина, которая наблюдает за своей любовью с небес с неудовлетворенным желанием воссоединиться. История Розетти вдохновлена ​​французским композитором-импрессионистом Клодом Дебюсси, написавшим кантату La damoiselle élue (1888) для двух солистов, женского хора и оркестра.

Die Toteninsel (1880-1886) Арнольд Бёклин (1827-1901)

Швейцарский художник-символист Арнольд Бёклин нарисовал несколько версий Island of the Dead , ставшего популярным в Европе.В романтическом изображении есть много символов смерти и траура, на котором изображен пустынный скалистый остров, усеянный кипрскими деревьями (известное как «скорбное дерево» грекам и римлянам), и одинокая гребная лодка на темном водном пространстве. После эмиграции в Америку русский пианист и композитор Сергей Рахманинов (1873-1943) в 1909 году написал симфоническую поэму « Остров мертвых ». Считается, что знаменитый романтический композитор был вдохновлен черно-белой гравюрой Беклина. живописи и, вероятно, не написал бы эту песню, если бы вместо этого увидел оригинальную, цветную версию сцены.

Битва гуннов Вильгельма фон Каульбаха (1805-1874)

Эта массивная картина была спроектирована для лестницы в Берлинском Новом музее примерно в 1855 году как часть серии фресок, изображающих самые важные эпизоды в истории. Сцена изображает жестокую битву между Аттилой, гуннами и римской коалицией. Согласно легенде, битва была настолько ожесточенной, что мертвые души продолжали сражаться в небе, поднимаясь на небо. Остались только следы фресок, потому что лестница сильно пострадала во время бомбардировки Берлина.Венгерский композитор Ференц Лист (1811–1866) в 1857 году написал симфоническую поэму « Hunnenschlacht ». В первой части пьесы звучит мрачное, бурное, призрачное звучание. Раздается боевой клич, и песня переходит в интенсивную кульминацию с участием органа и медных духовых инструментов за кулисами.

Черный квадрат (1915) Казимира Малевича (1879-1935)

Картина Малевича « Черный квадрат » впервые была выставлена ​​в 1910 году на выставке футуристов в российском городе Петроград (ныне Санкт-Петербург).Петербург). Простая черная композиция олицетворяет лидерство Малевича в супрематическом движении, которое прославляет чистую художественную свободу и сосредоточено на основных геометрических формах, окрашенных в различные цвета. Цель движения заключалась в том, чтобы привести к «превосходству чистого чувства или восприятия в изобразительном искусстве». Картина вдохновила на создание поп-песни уэлчской альтернативной рок-группы Manic Street Preachers под названием Black Square (2014). Лирика песни выражает симпатию к целям движения: «Искусство никогда не бывает современным, ибо искусство вечно.”

Где обитают дикие существа (1963) Морис Сендак (1928-2012)

Где обитают дикие существа — это любимая детская книга, в которой есть фантастический сюжет, посвященный мальчику по имени Макс, чья спальня превращается в среду диких джунглей. Макс встречает зверей, называемых «Дикие твари», и отправляется в приключение в качестве их лидера; но затем он уговаривает отправиться домой и насладиться теплым ужином, приготовленным его матерью. Сендак выиграл медаль Калдекотта 1964 года за свои иллюстрации, и книга оставалась популярной среди детей с момента ее первой публикации.В 1980-х Сендак работал с композитором Оливером Кнуссеном над детской фантастической оперой по книге. Премьера оперы состоялась в Лондоне в 1984 году и в США в 1985 году.

Витражи (1967) Марка Шагала (1902-1970)

Марк Шагал считался последним оставшимся в живых из первого поколения европейских модернистов и на протяжении десятилетий был самым известным еврейским художником в мире. Он создал 12 цветных витражей для медицинского центра Хадасса в Иерусалиме, которые он представлял как «драгоценности полупрозрачного огня», представляющие колена Израиля.Британский композитор Джон МакКейб (1939–2015) написал 30-минутную поэму под названием « Окна Шагала » для оркестра в 1975 году. Маккейб также написал оркестровые произведения, вдохновленные исламским искусством и архитектурой Антонио Гауди.

Big Eyed Waifs, Маргарет Кин (род. 1927)

Современная художница Маргарет Кин — американская художница, которая теперь известна тем, что расписывает своих большеглазых беспризорников, портреты женщин и детей подписью «Кин глазами». Она добилась известности, несмотря на то, что ее муж Уолтер считал картины до 1970 года.В 2014 году вышел биографический фильм о ее жизни режиссера Тима Бертона «Big Eyes». Поп-певица Лана Дель Рэй исполнила томную песню «Big Eyes», написанную с точки зрения Маргарет. Он был выпущен на саундтрек к фильму.

Показанное изображение: Деталь Теодора Жерико, Плот Медузы , 1818-1819, Источник: Викимедиа

известных произведений искусства из 30 стран мира

В отличие от народов, искусство не знает границ.Он может быть создан в вакууме, вдохновлен исключительно горячим внутренним конфликтом или создан задумчивыми эмигрантами, желающими соединить давно потерянное прошлое с неопределенным будущим. Он может возникать органично, в гармонии с природным ландшафтом или как тщательно продуманный ответ на культурные или политические критерии.

Музеи и частные коллекции полны таких работ, но лишь немногие из них демонстрируют редкое слияние намерений, эмоций и художественного гения. Эти шедевры запечатлены в коллективном сознании, воспроизводятся в различных размерах и формах на стенах, стационарных и кофейных кружках по всему миру.

Традиционно история искусства стремилась аккуратно классифицировать множество пересекающихся движений и стилей, географию и эпохи — импрессионизм, античность, романтизм, реализм и средневековье, и это лишь некоторые из них. Однако границы часто плавные, художники часто странствуют, а иногда и анонимны.

Имея это в виду, Стакер взял на себя задачу составить список из 30 известных произведений искусства из 30 стран мира, проконсультировавшись с базами данных в Интернете и на сайтах музеев, а также с научными книгами и журналами.Одно только проживание в определенном музее или коллекции не считалось достаточной причиной для включения (помимо того, что оно было источником разногласий между несколькими странами). Избранные произведения должны были выражать или отражать прямую связь художника со страной его рождения, предметом и местом его создания. Винсент Ван Гог может быть самым известным художником Нидерландов, но большинство его шедевров изображают французские, а не голландские сюжеты. Однако церемониальные предметы, созданные доколумбовыми обществами, красноречиво говорят об этих утраченных культурах.

Прокрутите список, чтобы увидеть, какие шедевры вошли в окончательную редакцию, и узнайте, какие изображения изменили ход корейской живописи, изображают сказочное видение восточноевропейского штетла или были вдохновлены языческим ритуалом плодородия.

Вам также могут понравиться: История Корпуса морской пехоты США с года вашего рождения

Об искусстве — Что мы на самом деле имеем в виду — Smashing Magazine

Марк Ротко, американский художник, назвавший себя абстрактным художником , когда-то сказал, что он не из тех людей, которых интересуют отношения формы, цвета или чего-то подобного.Он определил себя не как абстракционист, а как личность, заинтересованную только в выражении основных человеческих эмоций, таких как обреченность, трагедия, экстаз и так далее. Это видение искусства одним человеком, но что мы понимаем под искусством сегодня? Почему так сложно дать определение концепции?

Марк Ротко, американский художник, назвавший себя «художником-абстракционистом», однажды сказал об искусстве, что он не из тех людей, которых интересуют отношения формы, цвета и т. Д. Он определил себя не как абстракционист, а как личность, заинтересованную только в выражении основных человеческих эмоций, таких как обреченность, трагедия, экстаз и так далее.Это видение искусства одним человеком, но что мы понимаем под искусством сегодня? Почему так сложно дать определение концепции?

Эта статья представляет собой исследование значения искусства и попытку понять отношения между искусством и художниками, с некоторыми полезными идеями через интервью как с традиционными, так и с цифровыми художниками.

Дополнительная информация о SmashingMag:

1. Об искусстве — что это такое?

Этот вопрос возникает часто и имеет множество ответов. Многие утверждают, что искусство не может быть определено.Мы можем сделать это несколькими способами. Искусство часто считается процессом или продуктом преднамеренного расположения элементов таким образом, чтобы они обращались к чувствам или эмоциям. Он охватывает широкий спектр человеческой деятельности, творчества и способов выражения, включая музыку, литературу, кино, скульптуру и живопись. Смысл искусства исследуется в области философии, известной как эстетика. По крайней мере, так утверждает Википедия.

Искусство обычно понимается как любая деятельность или продукт, выполняемый людьми с коммуникативной или эстетической целью — то, что выражает идею, эмоцию или, в более общем смысле, мировоззрение .

Это компонент культуры, отражающий в своем дизайне экономические и социальные основы. Он передает идеи и ценности, присущие каждой культуре, в пространстве и времени. Его роль со временем меняется, приобретая здесь эстетический компонент, а там — социально-образовательную функцию.

Скотт Марр

Все, что мы сказали до сих пор, содержит элементы правды, но в основном это мнение. Согласно Википедии, «историки искусства и философы искусства давно ведут классификационные споры об искусстве относительно того, следует ли классифицировать определенную культурную форму или произведение как искусство.»

Определение искусства открыто, субъективно, спорно. Между историками и художниками нет единого мнения, поэтому у нас остается так много определений искусства. Само понятие изменилось за столетия.

Само понятие искусства и сегодня вызывает споры, поскольку оно открыто для множества интерпретаций. Это может быть просто означать любую человеческую деятельность или любой набор правил, необходимых для развития деятельности. Это расширило бы концепцию за пределы того, что обычно понимается как изобразительное искусство, теперь оно расширено, чтобы охватить академические области.У этого слова есть много других разговорных значений.

В этой статье мы имеем в виду искусство как форму человеческого выражения творческой природы .

2. Эволюция концепции искусства

Хотя определение искусства с годами изменилось, область истории искусства развивалась, чтобы позволить нам классифицировать изменения в искусстве с течением времени и лучше понять, как искусство формируется и как сформированный творческими порывами художников.

В таком случае важно иметь твердое знание истории искусства.Я поговорил с Александром Даниловым и Джонатаном Боллом о концепции искусства через историю и о том, возможно ли проследить линию через традиционное и современное искусство.

Александр Данилов — русский художник, живущий и работающий в Италии. Он специализируется на живописи, хотя работал в нескольких медиа. В последнее время работает над детскими иллюстрациями. Он участвовал в различных мероприятиях и конкурсах иллюстраций и иллюстрировал три книги. Он провел множество индивидуальных и групповых выставок в Италии, России, Голландии, Испании, Финляндии и США.

Джонатан Болл является творцом Poked Studio, инновационной компании, стремящейся разрабатывать креативные визуальные решения. И это еще не все: среди своих услуг Poked Studio предлагает иллюстрации; Веб-дизайн, графический и блог-дизайн; 3-D рендеринг и визуализация; графики движения; детская книжная иллюстрация; Flash-сайты; и игры.

Вопрос: Можем ли мы проследить линию от традиционного искусства к современному?

Александр Данилов: Я не думаю, что мы можем что-либо сказать, не впадая в полемику, даже я.Я придерживаюсь традиционного взгляда и предпочитаю произведения искусства, которые говорят о художнике или периоде. Я не могу объяснить, что такое современное искусство или, по крайней мере, чем оно должно быть. Да, вы можете провести линию от традиционного искусства к современному, но не прямую. Возможно, это парабола, которая идет вверх, а затем вниз, или спираль. Мы не знаем. Все, что мы можем сказать, это то, что рынок искусства развился, что влияет на само искусство. В том, что мы называем современным искусством, слова и объяснения всегда имеют большее значение.

Изобразительное искусство трансформировалось статьями и критическими эссе; Между тем сами произведения немели.В театре кураторы и критики заняли первые ряды. Это мой взгляд на разницу между современным искусством и традиционным.

Лично я предпочитаю искусство, измеренное в человеческих измерениях: искусство, которое шепчет и не кричит, искусство, которое покрывает меня и заставляет летать, но не сокрушает. Но должен признаться, некоторые из этих современных вещей меня привлекают; например, настенная живопись (граффити) и абстрактные вещи.

Путешествие в реальные и мифологические эпохи, смена театральных костюмов и декора — часть стиля Александра Данилова.Стиль придает его картинам особую грацию, показывая как праздничную, так и драматическую стороны жизни на сцене. Стиль также пронизан сладкой иронией, которая встряхивает картину. Точность, гибкость в дизайне и тонкая цветовая гармония позволяют художнику перемещаться между различными художественными условностями, играя со светом и тенью, линией и цветом.

Джонатан Болл: Да, определенно [мы можем провести черту от традиционного искусства к современному]. Используются многие из тех же техник, только немного по-разному и с разными инструментами.Те же принципы применимы, как бы вы ни создавали искусство.

Я вижу линию, которая особенно проходит через стилизованные формы японского искусства, такие как Хокусай, и современные стилизованные графические иллюстрации.

Вопрос: По сравнению с эволюцией традиционного искусства, как бы вы описали развитие цифрового (или новых медиа) искусства?

Джонатан Болл: Очевидно, что цифровое искусство развивалось намного быстрее, чем тысячи лет ручной работы.Целое поколение воспитывалось на «Фотошопе» и других инструментах, тогда как предыдущие поколения использовали ручку и карандаш.

Тем не менее, я считаю, что цифровое искусство все еще находится в зачаточном состоянии. Несмотря на то, что кажется огромным прогрессом в компьютерном оборудовании, общие вычисления и даже вычисления, доступные большинству дизайнерских студий, просто недостаточно быстры, чтобы легко воспроизводить искусство в масштабе и уровне детализации, возможном с помощью традиционных носителей. Сходите в любую национальную галерею, и вы увидите работы огромного масштаба.Попробуйте воспроизвести 10-футовый холст с разрешением нарисованного вручную произведения искусства в трехмерной программе, и вы обнаружите, что это не справляется. Фактически, большинству программ будет сложно отобразить детальное изображение, скажем, с разрешением 300 точек на дюйм и размером всего A4.

Хотя картина может показаться просто пятнами и пятнами, когда вы подойдете к ней поближе, узоры сами по себе красивы, полны цвета, интенсивности, насыщенности и текстуры. Подойдите ближе к цифровому искусству или экрану телевизора, и вы увидите беспорядок искажений и артефактов.

Когда разрешение экрана сравняется с разрешением печатных носителей, и когда компьютерные технологии позволят нам легко создавать большие, высокодетализированные работы на высокой скорости, тогда цифровые технологии догонят традиционные носители.

Большая часть цифрового искусства начала 21 века предназначена для просмотра на устройствах с низким разрешением. Большая часть этого искусства устареет, когда в следующем столетии будут разработаны экраны и устройства с более высоким разрешением. И многое из того, что хранилось только на жестких дисках, будет потеряно навсегда, поскольку диски выходят из строя, а веб-сайты закрываются или разрабатываются заново.

Мне очень жаль, что так много великих произведений воспроизводится с таким ограниченным разрешением и масштабом и не хранится таким образом, чтобы сохранить их в безопасности для будущих поколений.

Джонатан Болл

Вопрос: Расскажите об искусстве и своем любимом художественном движении.

Джонатан Болл: Сложно, потому что мне нравится очень много стилей. Но я считаю, что если я нахожусь в художественной галерее, я люблю современную живопись, потому что она таит в себе так много сюрпризов и менее предсказуема, чем предыдущие эпохи.

Мне нравятся необычные современные иллюстрации, особенно неброские художественные формы и смеси готики и мифологии.

3. Эстетика в цифровом искусстве

В середине 20-го века концептуальные преобразования, возникшие в результате новых подходов к искусству, привели к кризису эстетики, что проявилось в новых художественных медиа.

Альберто Черритеньо

Заимствуя многие условности традиционных медиа, цифровое искусство может опираться на эстетику из многих других областей. Но против него были высказаны различные критические замечания: например, учитывая разнообразие имеющихся в их распоряжении инструментов, сколько усилий действительно нужно прикладывать цифровым художникам к своей работе?

Я спросил Яна Виллема Веннекеса, также известного как Цептонн, высказать свое мнение по этому поводу.Он фрилансер, специализирующийся на иллюстративном дизайне и художественном руководстве, с акцентом на экологически чистые и экологические проекты.

Ян Виллем Веннекес: Вопрос кажется несколько двусмысленным. С одной стороны, возникает вопрос об усилиях, необходимых для создания цифрового искусства. То есть некоторые люди могут подумать, что использовать цифровые медиа для создания произведений искусства проще, чем традиционные медиа. С другой стороны, кажется, возникает вопрос, является ли цифровое искусство формой искусства само по себе (или, может быть, вообще?).

Что касается первого вопроса, я думаю, что работа с цифровыми носителями (в основном компьютер, мышь, Wacom, сканер, программное обеспечение и т. Д.) Не должна отличаться от создания произведений искусства на других носителях. Компьютер и все инструменты, созданные программным обеспечением, остаются тем, чем они являются: инструментами! Вы должны овладеть этими инструментами так же, как и любыми другими инструментами. Например, если вы не понимаете, как работает свет, вы не сможете создавать изображения с правильным освещением и т. Д. Если вы не знаете, как работает инструмент «Перо» в Illustrator, вы не сможете создавать хорошие иллюстрации, как традиционный художник, не умеющий пользоваться карандашом.Вам все еще нужно овладеть теорией цвета и всем остальным, что необходимо для создания хорошего или потрясающего произведения искусства. В этом смысле не имеет значения, картина это или гравюра. Проще говоря, вы должны овладеть всеми инструментами и теорией так же, как вам приходилось осваивать их раньше. И чем лучше вы их освоите, тем лучше будут ваши работы.

Ян Виллем Веннекес

Ян Виллем Веннекес: Теперь можно задаться вопросом, является ли цифровое искусство отдельным видом искусства. Это сложный вопрос, на который нелегко ответить.Я думаю, что разница здесь в том, что «цифровое искусство» — это скорее групповой термин, чем просто одна форма искусства. Существует много видов цифрового искусства: некоторые очень похожи на картины, некоторые — на фотографии, некоторые — на рисунки, а третьи выглядят совершенно новыми и уникальными (например, компьютерные произведения искусства). Таким образом, в некотором смысле цифровое искусство состоит как из пересекающихся, так и из новых видов искусства.

Фотография когда-то рассматривалась как конкурент портретной живописи, но в конце концов она стала самостоятельной формой искусства с множеством направлений и сфер интересов.Фактически, живопись выиграла от развития фотографии, и каждая из них добавляла друг друга и возобновляла интерес к искусству в целом. В настоящее время мы не рассматриваем фотографию как конкурента живописи; мы рассматриваем их как разные средства массовой информации с разными преимуществами и недостатками. Я думаю, что то же самое можно сказать и о новых формах цифрового искусства. Работу

Zeptonn можно охарактеризовать как позитивную, экологичную, простую, дурацкую, красочную, фантастическую и иллюстративную. Он отличается нарисованными вручную элементами, милыми узорами и пышными линиями.И вы можете обнаружить, что тут и там появляются какие-то существа. Чтобы узнать больше, посетите его веб-сайт или подпишитесь на него в Twitter.

4. Искусство, каким мы его знаем сегодня

ХХ век стал поворотным моментом в нашем понимании искусства, и именно поэтому современные художники часто тянутся к новым концепциям, ломают традиции и отвергают классические представления о прекрасном. Все эти факторы породили абстрактное искусство. Художник больше не пытается отражать реальность, а пытается выразить свой внутренний мир и чувства.

Старые определения искусства устарели. Сегодня искусство — это развивающаяся и глобальная концепция , открытая для новой интерпретации, слишком изменчивая, чтобы ее можно было определить.

Дэн Май

Я взял интервью у Нейта Уильямса и Трэвиса Лампа, чтобы исследовать новые элементы современного искусства и ответить на вопрос, какие новые элементы и принципы очевидны в современном искусстве.

Нейт Уильямс, также известный как Александр Блю, — художник, иллюстратор и дизайнер из США. У него большой опыт работы в различных сферах индустрии иллюстрации, и у него есть множество клиентов.Его иллюстрации ориентированы как на взрослых, так и на детей. Он также работал в сфере рекламы и издательского дела, музыки, моды, текстиля, домашнего декора, мерчендайзинга, плакатов, прессы и социального самовыражения.

Трэвис Лампе — иллюстратор, который в настоящее время живет и работает в Чикаго. Работал арт-директором в рекламе. После двухлетнего пребывания в Варшаве он вернулся в Чикаго и попробовал свои силы в области искусства и иллюстрации. Ему нравится создавать произведения искусства и игрушки, и он выставлялся в прекрасных галереях США и Европы.

Вопрос: Какое влияние на вашу работу оказывают новые медиа? Как вы относитесь к цифровому искусству? Вы считаете себя традиционным художником?

Джонатан Болл: Он имеет большое влияние. Я думаю, что благодаря моим познаниям в программировании это влияет на мою работу. Я думаю в терминах модульных частей и переменных.

Нейт Уильямс: «Мое определение искусства — это играть, проявлять любопытство, открывать, выражать».

Трэвис Лампе: Я традиционный художник, работаю акрилом, но я бы не смог работать без компьютеров.Например, когда я разрабатываю игрушки, я использую компьютеры для сканирования и создания векторной графики из моих оригинальных картин. Однако я не создаю цифровое искусство само по себе. Чисто цифровая работа может быть красивой, но для меня есть ценность в наличии осязаемого и уникального продукта, а не набора данных.

Однако, несомненно, в моем традиционном искусстве на меня повлияли идеи, которые я обнаружил в Интернете. Это отличное место, например, для поиска старинных мультфильмов.

Вопрос: Трэвис, если когда-то целью искусства было создание красоты и подражание природе, то сегодня концепция динамично развивается и постоянно меняется.На ваш взгляд, как Интернет и новые способы общения повлияли на развитие изобразительного искусства, его концептуальные предпосылки и его физическое исполнение?

Трэвис Лампе: Интернет больше всего влияет на развитие искусства, просто открывая большему количеству людей больше искусства. К сожалению, многие из них действительно ужасны, как и следовало ожидать. Любой, у кого есть шариковая ручка и цифровой фотоаппарат, может выложить свои работы на всеобщее обозрение. И это нормально. Я думаю, что крем просто естественно поднимается наверх.Идеи по-прежнему важны, гораздо важнее, чем технические навыки, и Интернет нисколько этого не изменил. Я видел много рисунков с шариковой ручкой, которые мне действительно нравятся.

Что касается физического исполнения, то оно развивалось так же, как и всегда: как только появляется новый носитель, возникает борьба за его использование по-новому и творчески. Я не знаю, повлиял ли Интернет на физическое исполнение произведений искусства так сильно, как сами компьютеры. Это просто упростило распространение.

Трэвис Лампе

Больше общения — отличный способ PR и в этом смысле большой подспорье для художников.И больше общения должно означать больше идей, возникающих вокруг, что в идеале должно привести к лучшему концептуальному мышлению. Но большая часть «общения» — пустяк. И я думаю, что есть порог, за которым постоянная связь перестает быть полезной. Художникам нужно какое-то разрозненное время, чтобы творческие идеи слились воедино. Думаю, успешные художники — это те, кто дисциплинирован и способен уравновесить все это.

Вопрос: Можно ли сказать, что искусство и новая социальная сеть связаны? Являются ли социальные сети эффективным способом улучшения творческих сообществ?

Джонатан Болл: Конечно.Искусство связано со всем в нашей среде, что влияет на его создателей. Что касается социальных сетей, я думаю, что возможность лучше общаться — это всегда улучшение.

Трэвис Лампе: Социальные сети отлично подходят для обмена результатами; Это позволило мне постоянно общаться и видеть работы других художников, которыми я восхищаюсь. И это делает долгую работу в подвале немного менее уединенным занятием, когда вы можете показать миру, что вы сделали, сразу после того, как закончили.С другой стороны, социальные сети постоянно отвлекают. Когда я хочу закончить работу, я отключаюсь. Так что я люблю это и ненавижу одинаково.

5. Революция новых медиа и ее связь с художниками

Изобразительное искусство включает в себя множество форм искусства, наиболее широко признанными являются живопись, рисунок, скульптура, музыка, литература и исполнительское искусство. Однако с технологической революцией появились и другие формы.

Леандро Лима

Итак, каковы именно отношения между этими новыми формами выражения и современными художниками? Макс Костенко и Пино Ламанна любезно ответили на мои вопросы, что позволило нам разобраться в теме.

Макс Костенко — российский иллюстратор. Он специализируется на трехмерной цифровой иллюстрации и дизайне персонажей. Он работает фрилансером во многих российских студиях и агентствах по всему миру, таких как «Котеткат» и «Лимонад».

Пино Ламанна, также известный как SchakalWal, — иллюстратор и графический дизайнер из Германии, специализирующийся на корпоративном дизайне, дизайне персонажей и типографике.

Вопрос: Представьтесь, пожалуйста, и о своей работе. Как вы начали работать в этой области?

Макс Костенко: Меня зовут Макс Костенко.Мне 23 года, я художник и иллюстратор из Москвы. Я занимаюсь иллюстрациями около года. Раньше я три года работал веб-дизайнером в различных московских веб-студиях.

Пино Ламанна: Привет. Меня зовут Пино Ламанна. Я 27-летний наполовину итальянец, наполовину немец, цифровой художник, живущий и работающий в городе Вупперталь, Германия.

В настоящее время я работаю внештатным дизайнером, специализируясь на уникальном брендинге, ручной типографике и дизайне персонажей.На большую часть моей работы сильно повлияли граффити и стрит-арт, олдскульные мультфильмы и музыка, которую я слушаю. Моя цель — создавать стильные, уникальные и полезные дизайны в урбанистическом стиле.

Первые шаги в качестве дизайнера я сделал еще маленьким ребенком, рисовал комиксы с собственными супергероями. Позже, в подростковом возрасте, я заинтересовался движением граффити и уличного искусства.

Первое, что меня привлекло в цифровом искусстве, — это фотоманипуляции. Благодаря этому я познакомился с Adobe Photoshop и несколькими сообществами цифрового искусства.Позже я переключился на иллюстрацию, брендинг и типографику, что, на мой взгляд, мне больше всего подходит.

Вопрос: Расскажите немного о своих работах. Какое программное обеспечение вы используете? Насколько тяжело вам было учиться?

Макс Костенко: В своей работе я использую только Photoshop. Я начал изучать его, когда хотел начать работать веб-дизайнером. Но по прошествии лет я понял, над чем я действительно хочу работать, потому что работа дизайнера казалась мне скучной, и поэтому я начал рисовать несколько глупых человечков; то есть я пытался понять многие принципы, нарисовав их.В Photoshop я не использую много инструментов, чтобы моя работа выглядела художественно — я просто выбираю обычную круглую кисть и начинаю рисовать.

Макс Костенко

Пино Ламанна: Несмотря на то, что работа в Illustrator или других векторных инструментах является обычным явлением для моей работы, я создаю большую часть своих работ в Photoshop. Это может показаться странным, но я ничего не могу с собой поделать. Вообще нет большой разницы, потому что Photoshop также имеет возможности векторного редактирования.

Когда я доволен своим дизайном, я копирую и вставляю его в Illustrator, чтобы создать окончательный результат.

Не могу сказать, что освоить Photoshop было сложно, потому что работать в нем всегда было весело. Однако первые шаги были довольно трудными. Я помню, как меня поразило множество вариантов. Это было обучение на практике. Я сделал много уроков, которые нашел в Интернете, чтобы освоить различные техники и методы.

Изучить Illustrator тоже было несложно, потому что я уже привык к интерфейсу Adobe и много знал о редактировании векторных изображений в Photoshop.И, конечно же, повсюду есть учебники по Illustrator.

Вопрос: Что является основным источником вдохновения для ваших работ? И как сообщество цифрового искусства повлияло на вашу работу?

Макс Костенко: Мое вдохновение приходит по-разному: иногда после просмотра фильма, иногда от чего-то, что я вижу на улице или в общественном транспорте. Я всегда ищу работы известных художников: они стимулируют меня расти и совершенствоваться. Я познакомился с цифровым искусством через Общество цифровых художников, и первая мысль, которая пришла мне в голову, была: «Я никогда не смогу так рисовать.«Но потом я постепенно начал рисовать такие вещи, как листья. Тем не менее, я только начал идти по пути художника, и мне еще многому нужно научиться.

Pino Lamanna: Вдохновение может прийти от чего угодно, будь то облако в небе, старый фильм или коробка суши. На мой стиль всегда влияла городская культура, музыка, фильмы, мультфильмы и т. Д. На самом деле сообщество цифрового искусства сильно повлияло на мою работу. Благодаря Интернету я познакомился со многими интересными людьми и дизайнерами со всего мира, и в конце концов эти сообщества помогли мне определить меня как художника.

Вопрос: Как бы вы описали свой творческий процесс? Каковы некоторые из его наиболее важных аспектов?

Макс Костенко: Самое главное — это базовая идея, я думаю, план. Если он у вас есть, можете приступать к рисованию. Иногда у меня в голове возникает общее представление о результате, поэтому я начинаю с больших фигур, помещая их в композицию. Когда у меня есть результат, я начинаю его раскрашивать, это для меня самое сложное. В конце завершаю окончательные детали.

Пино Ламанна: У меня всегда под рукой ручка и бумага, даже в спальне. Никогда не знаешь, когда идеи придут тебе в голову, и тебе лучше сэкономить, прежде чем забыть.

Мозговой штурм и наброски очень важны для меня. Если идеи возникают во время работы на моем компьютере, я обычно откладываю все, чем занимаюсь, и пытаюсь напрямую реализовать эту идею в дизайне.

Пино Ламанна

При работе с клиентами очень важны исследования. Без подробного брифинга найти дизайн, соответствующий потребностям и ожиданиям клиента, может быть непросто.Поэтому я всегда прошу клиентов заполнить мою анкету по дизайну.

Еще один важный аспект моего творческого процесса — терпение. Часто я нахожу хороший ход и не могу перестать работать над определенным дизайном, пока не стану счастливым (и не измотанным). Однако перед публикацией я всегда заставляю себя ждать до следующего дня. Я часто нахожу вещи, которые нужно изменить, настроить или настроить, когда смотрю на свою работу с небольшого расстояния.

Вопрос: Вы когда-нибудь увлекались традиционным искусством? Если да, расскажите нам что-нибудь об этом опыте.

Макс Костенко: Дело в том, что я не учился в художественной школе. Но с детства мне нравилось рисовать и придумывать истории. Я всегда рисовала простым карандашом. После школы я пытался поступить в колледж автомобильного дизайна, но получил отказ… даже сдав экзамены по рисованию на удивление хорошо.

Пино Ламанна: Как уже упоминалось, в детстве я увлекался рисованием комиксов и упорно тренировался, чтобы создавать самых могущественных супергероев и злодеев в мире.Я могу вспомнить только одного персонажа из этих дней: Супер-лягушка. (Я знаю, что это отстой, так что не грусти!)

Позже я получил некоторый опыт работы с граффити и уличным искусством. Однако так и не попал в All City Kings.

Итак, у меня нет большого опыта работы с традиционным искусством, потому что в последние пару лет мое основное внимание было сосредоточено на цифровых технологиях.

Вопрос: Как бы вы охарактеризовали свое отношение к традиционному искусству? Кто твой любимый художник?

Макс Костенко: Я часто бываю в Третьяковке и не могу поверить, что люди могли так рисовать на холсте столетия назад.Каждый раз удивляюсь таланту классических художников.

Мне нравятся русские художники-пейзажисты. Василий Поленов и Иван Шишкин для меня лучшие в мастерстве.

6. Общение и самореклама в новой сети

Жизнь художника не так проста, как может показаться. Выделиться из толпы непросто, поэтому важно саморекламы.

Я спросил Боба Флинна, Алекса Дукала, Джейми Макгоуэна, Криса Пьяшика и Ирму Грюнхольц, чтобы узнать их мысли об искусстве саморекламы; о том, как распространять идеи, концепции и более глубокое видение своей работы; и о влиянии этого вида маркетинга.

Боб Флинн — карикатурист, увлекающийся иллюстрацией, комиксами и анимацией. В настоящее время он живет в Бостоне, где работает аниматором и дизайнером игр в детской медиа-компании Fablevision. Его работы появлялись в таких изданиях, как Nickelodeon Magazine и Improper Bostonian.

Алекс Дукал — иллюстратор, родившийся и выросший в Патагонии, Аргентина. С самого раннего возраста Алекс публиковал комиксы и иллюстрации в легендарном журнале Fierro.

Вернувшись в свой родной город, он посвятил несколько лет рисованию и преподаванию иллюстрации и комиксов. Проработав некоторое время в основном в области веб-дизайна, Алекс решил вернуться к иллюстрации. Сейчас он в основном работает над детскими книгами и создает иллюстрации для дизайнерских агентств.

Джейми Макгоуэн — художник-фрилансер и трехмерный иллюстратор из Сакраменто, Калифорния. Она работает с вырезанной бумагой.

Вопрос: У вас есть сайт-портфолио? А в каких социальных сетях вы сейчас находитесь?

Боб Флинн: У меня есть веб-сайт, но мне очень лень его обновлять.И я обнаружил, что у меня там меньше трафика по сравнению, скажем, с моим блогом, в который гораздо проще добавить. Веб-сайт портфолио — это больше структурированная презентация, которая отлично подходит для арт-директоров и людей, которые хотят профессионально оценить вашу работу. Он часто статичен и практически не предлагает возможности для двустороннего общения. Вы практически не взаимодействуете с арт-сообществом, за исключением одного-двух дружеских писем в месяц. Блог динамичен и открывает этот диалог. Теперь я думаю о своем веб-сайте как о центре, который помогает направлять людей туда, куда им нужно.

Помимо того, что у меня есть блог (моя основная точка общения), в настоящее время я использую Twitter, Facebook, Flickr и, совсем недавно, Google Buzz. Стоит ли участвовать во всех из них? Наверное. Я обнаружил, что на самом деле нельзя находиться в слишком многих местах, хотя порог рассудка определенно существует. Разная аудитория взаимодействует с каждым социальным пространством (с некоторым перекрытием), поэтому способ охватить наибольшее количество людей — быть повсюду.

Twitter в настоящее время является лучшим местом для отслеживания людей в отрасли и общения с вашими коллегами, но не все там.Facebook — это то место, где находятся все остальные, хотя совмещение друзей, семьи и бизнеса, по общему признанию, обременительно. Вы должны избавиться от беспорядка (я меньше фанат его все более и более громоздкого интерфейса), но вы, безусловно, можете получить там поддержку. Flickr самый простой: загружайте иллюстрации, оставляйте и получайте комментарии. Buzz — новичок в игре, и он до сих пор не разработал собственной индивидуальности. Но вам, вероятно, следует быть в другом месте.

Я могу отслеживать большинство потенциальных клиентов и связей с помощью твита здесь или комментария там.Не говоря уже о большой дружбе. Просто проводя время в этих местах, говоря «Привет» и участвуя в позитивном ключе, вы действительно не ошибетесь.

Движимый одержимостью оригинальными мультфильмами, основанными на оптимизме и окрашенными в гротеск, Боб Флинн продолжает превращать бессмысленных существ в комиксы, иллюстрации и анимацию.

Алекс Дукал: Да, у меня есть портфолио онлайн с 1998 года, и в настоящее время я много пользуюсь Facebook, а не Twitter. Мне очень нравится Flickr.Я использовал Orkut, когда он только вышел. Я попробовал Живую ленту Google, и она мне не понравилась. Время от времени я смотрю на Google Wave, чтобы узнать, превратится ли он когда-нибудь во что-нибудь интересное. У меня есть учетная запись Netvibes, которой я почти не пользуюсь. У меня есть аккаунт на Dribble. Как видите, мне нравится тестировать новые инструменты.

Джейми МакГоуэн: Да, у меня есть веб-сайт с моим портфолио и страницы на Facebook, Flickr и Etsy, и я недавно сдался, и теперь я тоже в Twitter.

Вопрос: Пишете ли вы статьи для собственного блога или для других блогов и публикаций? Считаете ли вы какой-либо из них эффективным способом заявить о себе?

Боб Флинн: Я регулярно публикую художественные работы в своем блоге и написал несколько руководств по рисованию во Flash.Простое присутствие в Интернете — хорошее начало, но подумайте о том, какое влияние вы можете оказать, поделившись информацией, идеями и полезными советами. Людям нравится читать о процессе, поэтому документируйте свою методологию в процессе работы, и это сделает публикации более интересными.

Но я бы не стал участвовать в этом только для того, чтобы раскрыть свое имя. Если вы все для шоу и саморекламы, вы рискуете отпугнуть людей. Ключевое значение имеет участие: мне нравится читать то, что говорят все остальные. На самом деле в этом есть большая ценность.

Alex Dukal: Я начал писать небольшие новости на своем веб-сайте, используя Gray Matter, старый инструмент для ведения блогов. Затем я переключился на Textpattern и, наконец, разделил свое портфолио и блог (теперь в Blogger) для удобства. В блоге время от времени я буду писать статьи или учебники. Судя по полученным отзывам, я считаю это эффективным методом продвижения.

Джейми МакГоуэн: У меня есть блог, в котором я размещаю изображения своей незавершенной работы и обновления текущих проектов, в которых я участвую.Я использую его, чтобы дать читателям некоторое представление о моем процессе. Я думаю, что это определенно вовлекает людей в мою работу. Большинство посетителей моего основного веб-сайта с портфолио были направлены туда либо из моего собственного блога, либо от кого-то, кто написал в своем блоге о моей работе. Я думаю, если вы будете обновлять свой блог и регулярно публиковать сообщения, это станет бесценным инструментом для популяризации вашего имени.

Вопрос: Какие проблемы возникают при создании стратегии саморекламы? Вы реализовали для себя стратегию саморекламы? Это сработало? Если кто-то начинает с нуля, сколько времени нужно, чтобы стратегия начала работать в его пользу?

Боб Флинн: Честно говоря, я не могу сказать, что когда-либо создавал настоящую стратегию.Вы разговариваете с парнем, который даже не рассылал промо-карту. Мой подход заключался в том, чтобы выставить себя и посмотреть, что произойдет. Что-то вроде старой пословицы: «Просто будь собой» — вот чем ты выделяешься из остальной стаи. Я стараюсь обновлять свой блог хотя бы раз в неделю, чтобы люди возвращались. Следить за статистикой вашего сайта — это хороший способ узнать, что остается неизменным (т. Е. Откуда идет ваш трафик и какие у вас самые популярные сообщения).

Алекс Дукал: Да, конечно, как художник-фрилансер, самореклама абсолютно необходима.Я думаю, что первая задача — иметь что сказать, что показать, надежное портфолио для поддержки этого продвижения.

Лично я сделал ставку на портфолио, в котором представлены мои лучшие работы, что-то, что демонстрирует иллюстрации, а не интерфейс веб-сайта, что делает его доступным и простым. И еще есть блог, который позволяет мне поддерживать другие виды контактов с людьми: социальные сети, форумы, базы данных контактов и т. Д. Это большой сад; нужно поливать и ухаживать за ним каждый день.

Я думаю, что такую ​​стратегию следует продумывать на разных этапах. И нельзя ожидать чуда раньше, чем через полгода (хотя чудеса случаются).

Alex Dukal

Jayme McGowan: Моя стратегия саморекламы довольно проста и включает социальные сети, как я упоминал ранее. Когда я начал создавать присутствие в Интернете, я придумал план, глядя на сети, в которые были вовлечены успешные артисты, которыми я восхищался, и я попытался сделать что-то подобное.Мне посчастливилось вызвать интерес к своей работе на раннем этапе, просто разместив фотографии на Flickr и став активным членом сообщества Etsy. Многие люди, которые заказывают мне работу, говорят, что нашли меня на одном из этих двух сайтов.

Теперь я использую Facebook и Twitter (и, конечно же, свой блог), чтобы держать людей в курсе того, чем я занимаюсь. Но чтобы преуспеть в продвижении себя в любой из этих сетей, вы должны быть действительно заинтересованы в том, чтобы заводить друзей и иметь деловые контакты. Нельзя просто кричать: «Эй, посмотри на меня!» все время, ничего не отдавая.Думаю, у меня более тонкий подход к саморекламе: время от времени сообщайте людям, чем вы занимаетесь, и верьте, что они последуют за вами, если им понравится то, что они видят.

Вопрос: Регулярно ли вы размещаете свои работы в онлайн-галереях? Это полезно для завоевания доверия и получения отзывов о вашей работе?

Боб Флинн: Несколько лет назад я создал учетную запись на отличном веб-сайте под названием Illustration Mundo, управляемом Нейтом Уильямсом, но я никогда не помещал свои работы в онлайн-галерею (и не платил за что-либо подобное).Думаю, я рассматриваю свой блог как имеющий эту цель. Однако Flickr — это своего рода галерея.

Пино Ламанна, также известный как SchakalWal, — иллюстратор и графический дизайнер из Германии, специализирующийся на корпоративном дизайне, дизайне персонажей и типографике.

Вопрос: Представьтесь, пожалуйста, и о своей работе. Как вы начали работать в этой области?

Макс Костенко: Меня зовут Макс Костенко. Мне 23 года, я художник и иллюстратор из Москвы.Я занимаюсь иллюстрациями около года. Раньше я три года работал веб-дизайнером в различных московских веб-студиях.

Пино Ламанна: Привет. Меня зовут Пино Ламанна. Я 27-летний наполовину итальянец, наполовину немец, цифровой художник, живущий и работающий в городе Вупперталь, Германия.

В настоящее время я работаю внештатным дизайнером, специализируясь на уникальном брендинге, ручной типографике и дизайне персонажей. На большую часть моей работы сильно повлияли граффити и стрит-арт, олдскульные мультфильмы и музыка, которую я слушаю.Моя цель — создавать стильные, уникальные и полезные дизайны в урбанистическом стиле.

Первые шаги в качестве дизайнера я сделал еще маленьким ребенком, рисовал комиксы с собственными супергероями. Позже, в подростковом возрасте, я заинтересовался движением граффити и уличного искусства.

Первое, что меня привлекло в цифровом искусстве, — это фотоманипуляции. Благодаря этому я познакомился с Adobe Photoshop и несколькими сообществами цифрового искусства. Позже я переключился на иллюстрацию, брендинг и типографику, что, на мой взгляд, мне больше всего подходит.

Вопрос: Расскажите немного о своих работах. Какое программное обеспечение вы используете? Насколько тяжело вам было учиться?

Макс Костенко: В своей работе я использую только Photoshop. Я начал изучать его, когда хотел начать работать веб-дизайнером. Но по прошествии лет я понял, над чем я действительно хочу работать, потому что работа дизайнера казалась мне скучной, и поэтому я начал рисовать несколько глупых человечков; то есть я пытался понять многие принципы, нарисовав их.В Photoshop я не использую много инструментов, чтобы моя работа выглядела художественно — я просто выбираю обычную круглую кисть и начинаю рисовать.

Макс Костенко

Пино Ламанна: Несмотря на то, что работа в Illustrator или других векторных инструментах является обычным явлением для моей работы, я создаю большую часть своих работ в Photoshop. Это может показаться странным, но я ничего не могу с собой поделать. Вообще нет большой разницы, потому что Photoshop также имеет возможности векторного редактирования.

Когда я доволен своим дизайном, я копирую и вставляю его в Illustrator, чтобы создать окончательный результат.

Не могу сказать, что освоить Photoshop было сложно, потому что работать в нем всегда было весело. Однако первые шаги были довольно трудными. Я помню, как меня поразило множество вариантов. Это было обучение на практике. Я сделал много уроков, которые нашел в Интернете, чтобы освоить различные техники и методы.

Изучить Illustrator тоже было несложно, потому что я уже привык к интерфейсу Adobe и много знал о редактировании векторных изображений в Photoshop.И, конечно же, повсюду есть учебники по Illustrator.

Вопрос: Что является основным источником вдохновения для ваших работ? И как сообщество цифрового искусства повлияло на вашу работу?

Макс Костенко: Мое вдохновение приходит по-разному: иногда после просмотра фильма, иногда от чего-то, что я вижу на улице или в общественном транспорте. Я всегда ищу работы известных художников: они стимулируют меня расти и совершенствоваться. Я познакомился с цифровым искусством через Общество цифровых художников, и первая мысль, которая пришла мне в голову, была: «Я никогда не смогу так рисовать.«Но потом я постепенно начал рисовать такие вещи, как листья. Тем не менее, я только начал идти по пути художника, и мне еще многому нужно научиться.

Pino Lamanna: Вдохновение может прийти от чего угодно, будь то облако в небе, старый фильм или коробка суши. На мой стиль всегда влияла городская культура, музыка, фильмы, мультфильмы и т. Д. На самом деле сообщество цифрового искусства сильно повлияло на мою работу. Благодаря Интернету я познакомился со многими интересными людьми и дизайнерами со всего мира, и в конце концов эти сообщества помогли мне определить меня как художника.

Вопрос: Как бы вы описали свой творческий процесс? Каковы некоторые из его наиболее важных аспектов?

Макс Костенко: Самое главное — это базовая идея, я думаю, план. Если он у вас есть, можете приступать к рисованию. Иногда у меня в голове возникает общее представление о результате, поэтому я начинаю с больших фигур, помещая их в композицию. Когда у меня есть результат, я начинаю его раскрашивать, это для меня самое сложное. В конце завершаю окончательные детали.

Пино Ламанна: У меня всегда под рукой ручка и бумага, даже в спальне. Никогда не знаешь, когда идеи придут тебе в голову, и тебе лучше сэкономить, прежде чем забыть.

Мозговой штурм и наброски очень важны для меня. Если идеи возникают во время работы на моем компьютере, я обычно откладываю все, чем занимаюсь, и пытаюсь напрямую реализовать эту идею в дизайне.

Пино Ламанна

При работе с клиентами очень важны исследования. Без подробного брифинга найти дизайн, соответствующий потребностям и ожиданиям клиента, может быть непросто.Поэтому я всегда прошу клиентов заполнить мою анкету по дизайну.

Еще один важный аспект моего творческого процесса — терпение. Часто я нахожу хороший ход и не могу перестать работать над определенным дизайном, пока не стану счастливым (и не измотанным). Однако перед публикацией я всегда заставляю себя ждать до следующего дня. Я часто нахожу вещи, которые нужно изменить, настроить или настроить, когда смотрю на свою работу с небольшого расстояния.

Вопрос: Вы когда-нибудь увлекались традиционным искусством? Если да, расскажите нам что-нибудь об этом опыте.

Макс Костенко: Дело в том, что я не учился в художественной школе. Но с детства мне нравилось рисовать и придумывать истории. Я всегда рисовала простым карандашом. После школы я пытался поступить в колледж автомобильного дизайна, но получил отказ… даже сдав экзамены по рисованию на удивление хорошо.

Пино Ламанна: Как уже упоминалось, в детстве я увлекался рисованием комиксов и упорно тренировался, чтобы создавать самых могущественных супергероев и злодеев в мире.Я могу вспомнить только одного персонажа из этих дней: Супер-лягушка. (Я знаю, что это отстой, так что не грусти!)

Позже я получил некоторый опыт работы с граффити и уличным искусством. Однако так и не попал в All City Kings.

Итак, у меня нет большого опыта работы с традиционным искусством, потому что в последние пару лет мое основное внимание было сосредоточено на цифровых технологиях.

Вопрос: Как бы вы охарактеризовали свое отношение к традиционному искусству? Кто твой любимый художник?

Макс Костенко: Я часто бываю в Третьяковке и не могу поверить, что люди могли так рисовать на холсте столетия назад.Каждый раз удивляюсь таланту классических художников.

Мне нравятся русские художники-пейзажисты. Василий Поленов и Иван Шишкин для меня лучшие в мастерстве.

6. Общение и самореклама в новой сети

Жизнь художника не так проста, как может показаться. Выделиться из толпы непросто, поэтому важно саморекламы.

Я спросил Боба Флинна, Алекса Дукала, Джейми Макгоуэна, Криса Пьяшика и Ирму Грюнхольц, чтобы узнать их мысли об искусстве саморекламы; о том, как распространять идеи, концепции и более глубокое видение своей работы; и о влиянии этого вида маркетинга.

Боб Флинн — карикатурист, увлекающийся иллюстрацией, комиксами и анимацией. В настоящее время он живет в Бостоне, где работает аниматором и дизайнером игр в детской медиа-компании Fablevision. Его работы появлялись в таких изданиях, как Nickelodeon Magazine и Improper Bostonian.

Алекс Дукал — иллюстратор, родившийся и выросший в Патагонии, Аргентина. С самого раннего возраста Алекс публиковал комиксы и иллюстрации в легендарном журнале Fierro.

Вернувшись в свой родной город, он посвятил несколько лет рисованию и преподаванию иллюстрации и комиксов. Проработав некоторое время в основном в области веб-дизайна, Алекс решил вернуться к иллюстрации. Сейчас он в основном работает над детскими книгами и создает иллюстрации для дизайнерских агентств.

Джейми Макгоуэн — художник-фрилансер и трехмерный иллюстратор из Сакраменто, Калифорния. Она работает с вырезанной бумагой.

Вопрос: У вас есть сайт-портфолио? А в каких социальных сетях вы сейчас находитесь?

Боб Флинн: У меня есть веб-сайт, но мне очень лень его обновлять.И я обнаружил, что у меня там меньше трафика по сравнению, скажем, с моим блогом, в который гораздо проще добавить. Веб-сайт портфолио — это больше структурированная презентация, которая отлично подходит для арт-директоров и людей, которые хотят профессионально оценить вашу работу. Он часто статичен и практически не предлагает возможности для двустороннего общения. Вы практически не взаимодействуете с арт-сообществом, за исключением одного-двух дружеских писем в месяц. Блог динамичен и открывает этот диалог. Теперь я думаю о своем веб-сайте как о центре, который помогает направлять людей туда, куда им нужно.

Помимо того, что у меня есть блог (моя основная точка общения), в настоящее время я использую Twitter, Facebook, Flickr и, совсем недавно, Google Buzz. Стоит ли участвовать во всех из них? Наверное. Я обнаружил, что на самом деле нельзя находиться в слишком многих местах, хотя порог рассудка определенно существует. Разная аудитория взаимодействует с каждым социальным пространством (с некоторым перекрытием), поэтому способ охватить наибольшее количество людей — быть повсюду.

Twitter в настоящее время является лучшим местом для отслеживания людей в отрасли и общения с вашими коллегами, но не все там.Facebook — это то место, где находятся все остальные, хотя совмещение друзей, семьи и бизнеса, по общему признанию, обременительно. Вы должны избавиться от беспорядка (я меньше фанат его все более и более громоздкого интерфейса), но вы, безусловно, можете получить там поддержку. Flickr самый простой: загружайте иллюстрации, оставляйте и получайте комментарии. Buzz — новичок в игре, и он до сих пор не разработал собственной индивидуальности. Но вам, вероятно, следует быть в другом месте.

Я могу отслеживать большинство потенциальных клиентов и связей с помощью твита здесь или комментария там.Не говоря уже о большой дружбе. Просто проводя время в этих местах, говоря «Привет» и участвуя в позитивном ключе, вы действительно не ошибетесь.

Движимый одержимостью оригинальными мультфильмами, основанными на оптимизме и окрашенными в гротеск, Боб Флинн продолжает превращать бессмысленных существ в комиксы, иллюстрации и анимацию.

Алекс Дукал: Да, у меня есть портфолио онлайн с 1998 года, и в настоящее время я много пользуюсь Facebook, а не Twitter. Мне очень нравится Flickr.Я использовал Orkut, когда он только вышел. Я попробовал Живую ленту Google, и она мне не понравилась. Время от времени я смотрю на Google Wave, чтобы узнать, превратится ли он когда-нибудь во что-нибудь интересное. У меня есть учетная запись Netvibes, которой я почти не пользуюсь. У меня есть аккаунт на Dribble. Как видите, мне нравится тестировать новые инструменты.

Джейми МакГоуэн: Да, у меня есть веб-сайт с моим портфолио и страницы на Facebook, Flickr и Etsy, и я недавно сдался, и теперь я тоже в Twitter.

Вопрос: Пишете ли вы статьи для собственного блога или для других блогов и публикаций? Считаете ли вы какой-либо из них эффективным способом заявить о себе?

Боб Флинн: Я регулярно публикую художественные работы в своем блоге и написал несколько руководств по рисованию во Flash.Простое присутствие в Интернете — хорошее начало, но подумайте о том, какое влияние вы можете оказать, поделившись информацией, идеями и полезными советами. Людям нравится читать о процессе, поэтому документируйте свою методологию в процессе работы, и это сделает публикации более интересными.

Но я бы не стал участвовать в этом только для того, чтобы раскрыть свое имя. Если вы все для шоу и саморекламы, вы рискуете отпугнуть людей. Ключевое значение имеет участие: мне нравится читать то, что говорят все остальные. На самом деле в этом есть большая ценность.

Alex Dukal: Я начал писать небольшие новости на своем веб-сайте, используя Gray Matter, старый инструмент для ведения блогов. Затем я переключился на Textpattern и, наконец, разделил свое портфолио и блог (теперь в Blogger) для удобства. В блоге время от времени я буду писать статьи или учебники. Судя по полученным отзывам, я считаю это эффективным методом продвижения.

Джейми МакГоуэн: У меня есть блог, в котором я размещаю изображения своей незавершенной работы и обновления текущих проектов, в которых я участвую.Я использую его, чтобы дать читателям некоторое представление о моем процессе. Я думаю, что это определенно вовлекает людей в мою работу. Большинство посетителей моего основного веб-сайта с портфолио были направлены туда либо из моего собственного блога, либо от кого-то, кто написал в своем блоге о моей работе. Я думаю, если вы будете обновлять свой блог и регулярно публиковать сообщения, это станет бесценным инструментом для популяризации вашего имени.

Вопрос: Какие проблемы возникают при создании стратегии саморекламы? Вы реализовали для себя стратегию саморекламы? Это сработало? Если кто-то начинает с нуля, сколько времени нужно, чтобы стратегия начала работать в его пользу?

Боб Флинн: Честно говоря, я не могу сказать, что когда-либо создавал настоящую стратегию.Вы разговариваете с парнем, который даже не рассылал промо-карту. Мой подход заключался в том, чтобы выставить себя и посмотреть, что произойдет. Что-то вроде старой пословицы: «Просто будь собой» — вот чем ты выделяешься из остальной стаи. Я стараюсь обновлять свой блог хотя бы раз в неделю, чтобы люди возвращались. Следить за статистикой вашего сайта — это хороший способ узнать, что остается неизменным (т. Е. Откуда идет ваш трафик и какие у вас самые популярные сообщения).

Алекс Дукал: Да, конечно, как художник-фрилансер, самореклама абсолютно необходима.Я думаю, что первая задача — иметь что сказать, что показать, надежное портфолио для поддержки этого продвижения.

Лично я сделал ставку на портфолио, в котором представлены мои лучшие работы, что-то, что демонстрирует иллюстрации, а не интерфейс веб-сайта, что делает его доступным и простым. И еще есть блог, который позволяет мне поддерживать другие виды контактов с людьми: социальные сети, форумы, базы данных контактов и т. Д. Это большой сад; нужно поливать и ухаживать за ним каждый день.

Я думаю, что такую ​​стратегию следует продумывать на разных этапах. И нельзя ожидать чуда раньше, чем через полгода (хотя чудеса случаются).

Alex Dukal

Jayme McGowan: Моя стратегия саморекламы довольно проста и включает социальные сети, как я упоминал ранее. Когда я начал создавать присутствие в Интернете, я придумал план, глядя на сети, в которые были вовлечены успешные артисты, которыми я восхищался, и я попытался сделать что-то подобное.Мне посчастливилось вызвать интерес к своей работе на раннем этапе, просто разместив фотографии на Flickr и став активным членом сообщества Etsy. Многие люди, которые заказывают мне работу, говорят, что нашли меня на одном из этих двух сайтов.

Теперь я использую Facebook и Twitter (и, конечно же, свой блог), чтобы держать людей в курсе того, чем я занимаюсь. Но чтобы преуспеть в продвижении себя в любой из этих сетей, вы должны быть действительно заинтересованы в том, чтобы заводить друзей и иметь деловые контакты. Нельзя просто кричать: «Эй, посмотри на меня!» все время, ничего не отдавая.Думаю, у меня более тонкий подход к саморекламе: время от времени сообщайте людям, чем вы занимаетесь, и верьте, что они последуют за вами, если им понравится то, что они видят.

Вопрос: Регулярно ли вы размещаете свои работы в онлайн-галереях? Это полезно для завоевания доверия и получения отзывов о вашей работе?

Боб Флинн: Несколько лет назад я создал учетную запись на отличном веб-сайте под названием Illustration Mundo, управляемом Нейтом Уильямсом, но я никогда не помещал свои работы в онлайн-галерею (и не платил за что-либо подобное).Думаю, я рассматриваю свой блог как имеющий эту цель. Однако Flickr — это своего рода галерея.

Алекс Дукал: Вовсе нет на оба вопроса. Десять лет назад, если кто-то предлагал вам показать некоторые из ваших работ в онлайн-галерее, это было мило и лестно. Сегодня я думаю, что нам нужно быть осторожными, потому что критерии отбора часто не так хороши, и на эти детали также нужно обращать внимание. Если вы разместите свою работу не в том месте, это может иметь отрицательный результат. В принципе, доверие должно исходить от самой работы.

Джейми МакГоуэн: У меня есть профиль на Illustration Mundo, отличном веб-сайте, который функционирует в основном как каталог иллюстраторов, а не как галерея как таковая. Честно говоря, я не участвую ни в каких онлайн-галереях. Я уверен, что это отличный способ получить обратную связь от коллег, но не уверен, что это повысит доверие к вам как к профессионалу. Я сам могу поддерживать только определенное количество веб-страниц, поэтому стараюсь ограничить их теми, от которых я получаю наибольшую выгоду, теми, где, как мне кажется, меня могут найти арт-директора и покупатели.

Джейми МакГоуэн

Крис Пьяскик — внештатный дизайнер и иллюстратор, который активно участвует в дизайнерском сообществе. Обладая шестилетним профессиональным опытом в отмеченных наградами фирмах Новой Англии, он опубликовал работы в многочисленных книгах и публикациях, включая серию Logo Lounge , Typography Essentials и Lettering: Beyond Computer Graphics . В настоящее время он ежедневно размещает рисунки на своем веб-сайте.

Ирма Грюнхольц — испанский иллюстратор, специализирующаяся на глине и других материалах, что позволяет ей работать с объемами.Ее работы используются в книгах, журналах, рекламе и интернет-маркетинге.

Вопрос: Принимаете ли вы активное участие во всех социальных сообществах, к которым вы присоединились? Сколько времени вы выделяете для общения в социальных сетях? Вы обязуетесь регулярно публиковать новые работы и личные обновления?

Chris Piascik: Я остаюсь активным во многих социальных сообществах. Признаюсь, я присоединился к некоторым, но не успевал за ними! Я не особо выделяю время для общения в социальных сетях, хотя, вероятно, это хорошая идея.Вместо этого я разбрасываю его в течение дня, будь то просмотр Twitter на моем iPhone при экспорте большого файла на моем компьютере или откладывание начала нового проекта. Все дело в многозадачности! Я думаю, что самое большое, что помогло мне в социальных сетях, — это мои ежедневные рисунки. Я публикую новый рисунок с понедельника по пятницу на Flickr, а затем размещаю его на своем личном веб-сайте, и эти обновления поступают в мои учетные записи Twitter и Facebook.

Chris Piascik

Irma Gruenholz: Да, у меня есть блог, и я участвую в некоторых социальных сообществах, таких как Flickr и Behance.К сожалению, у меня не так много времени для очень активного присутствия. Я хотел бы посвятить больше времени, потому что это хороший способ не отставать и видеть работы других художников.

Вопрос: В настоящее время какое сообщество является наиболее ценным для поиска работы?

Chris Piascik: Я думаю, что большинство существующих сетей имеют ценность. Я действительно думаю, что Flickr работает действительно хорошо. Моя страница Flickr, похоже, привлекает больше всего трафика из всех моих веб-сайтов.Flickr настолько обширен, что многие люди используют его для исследования изображений. Я думаю, что мои ежедневные обновления помогают мне не потеряться в работе.

Ирма Грюнхольц: Судя по личному опыту, Behance — хорошая платформа для демонстрации ваших работ арт-директорам и покупателям произведений искусства. Я немного поработал над этим.

Вопрос: Насколько важно создавать сообщения, которые вы отправляете, и поддерживать профессиональный вид вашего веб-сайта?

Крис Пяшик: Я не подвергаю себя цензуре так часто.Я считаю, что сохранять честность — это хорошо. Моя работа имеет некоторую индивидуальность; многое из этого имеет нечеткое качество — сочетание этого с холодным или профессиональным присутствием в сети могло бы показаться странным. Расширение ваших социальных сетей требует, чтобы вы были собой… до тех пор, пока «самим собой» интересно!

Ирма Грюнхольц: Для художника очень важно присутствие в Интернете. Это лучший способ показать свою работу остальному миру. Так что обновляйте свой веб-сайт и упростите общение с людьми, которые хотят следить за вашей работой.

Ирма Грюнхольц

Вопрос: Как вы находите время для социальных сетей? Вы привержены только тем веб-сайтам, от которых вы можете получить какую-то профессиональную выгоду?

Крис Пяскик: Я полностью перестал спать. Я действительно просто поливаю им в течение дня. Это хороший способ начать свой день за чашкой кофе или за обедом. Я бы не сказал, что ограничиваю себя только веб-сайтами, которые приносят мне пользу, хотя я считаю, что все сети помогают. Видимость — это видимость.Я использую социальные сети, чтобы оставаться на связи с друзьями, так что это не совсем мое дело.

Ирма Грюнхольц: У меня мало времени для социальных сетей, поэтому я предпочитаю сосредоточиться на сообществах, связанных с моей профессией.

Избранные художники

Чтобы понять значение искусства и его эволюцию с течением времени, я взял интервью у Александра Данилова и Джонатана Болла. Чтобы изучить эстетику цифрового искусства, я поговорил с Яном Виллемом Веннекесом, который затронул некоторые важные моменты, связанные с различиями между цифровыми художниками и другими художниками, а также с природой самого цифрового искусства.

Я также представляю Нейта Уильямса и Трэвиса Лампа, чтобы узнать больше об их работе и их отношении к технологиям, включая инструменты цифрового искусства и социальные сети, а также изучить, как Интернет влияет на развитие искусства.

Чтобы лучше понять взаимосвязь между современными художниками и новыми методами и инструментами для создания искусства, я взял интервью у Макса Костенко и Пино Ламанны. Я сосредоточился на их творческом процессе и профессиональном опыте, от их начала работы до их нынешних источников вдохновения.

Наконец, я взял интервью у Боба Флинна, Алекса Дукала, Джейме Макгоуэна, Криса Пьяскика и Ирмы Грюнхольц, поинтересовавшись их мнением о проблемах, с которыми сталкиваются художники при продвижении себя и своей работы в новой сети, пытаясь запечатлеть свой опыт работы в социальных сетях и онлайн-арт-сообщества.

Добавить комментарий

Ваш адрес email не будет опубликован. Обязательные поля помечены *